We've prepared a hands-on preview of the Leica M-Monochrom 18MP black-and-white rangefinder. The M-Monochrom has no color filter array in front of the sensor, meaning it captures more of the available light but cannot perceive color. It also means there is no need for demosaicing (the process of combining color information from adjacent pixels), so higher levels of detail are retained. Our preview includes real-world samples we shot with the M-Monochrom, to show just what that means in-use.

Leica has announced the M-Monochrom, a black-and-white version of its M9 full-frame rangefinder.  In most other respects, the M-Monochrom shares its hardware with the M9. It can add three toning colors to its monchrome output or its uncompressed DNG files can be edited using the included copy of Photoshop Lightroom. A full version of the mono processing software Silver Efex 2 is also included. It will cost around $7,950.00.

Leica has announced the X2, a 16MP APS-C compact camera with a fixed 36mm equivalent F2.8 lens. The camera is an updated version of its X1, with the biggest changes being the use of a 16.2MP CMOS sensor and the addition of an accessory socket for adding an optional 1.44M dot 'Viso-Flex' electronic viewfinder. An add-on handgrip is also available. Leica says it has improved the autofocus system (one of our biggest criticisms of the X1), but has retained the rather low-resolution 230,000 dot rear LCD. The X2 has a list price of $1,995.00. (Updated with first impressions of AF performance)

Leica has released the V-Lux40, a 14MP, 20X compact superzoom camera. It is the second V-Lux model to feature GPS and appears to very closely resemble the Panasonic DMX-TZ30/ZS20. This gives it a 24-480mm equivalent zoom range and 14.1MP output (from a 15.3MP CMOS sensor). It also means it's capable of capturing 1080 video. The camera also features the highest-res screen in the Leica range - a 460k dot 3.0" LCD. Unlike the similar Panasonic, the Leica V-Lux 40 includes Adobe Photoshop Elements 10 and Premier Elements 10.

Leica has announced the APO-Summicron-M 50mm f/2 ASPH. The company is making grand claims for its latest standard-focal-length prime, which uses specially developed glass to create an apochromatic design to minimize chromatic aberrations. The lens was designed to match the specifications of the existing 50mm f/2 lens - a 1979 design that is the oldest in the company's current lineup. The APO version of the lens will be available from late July 2012 at a cost of around $7,195.

Leica has combined with luxury fashion house Hermès to create the M9-P Edition Hermès. The camera is coated in ocre-colored calfskin leather and features a matching shoulder strap. The camera also features a redesigned, smoother top-plate and control points, designed by the automotive designer, Walter de’Silva, previously responsible for the M9 Titanium. Only 300 of the cameras will be made. A yet more exclusive series of 100 'Edition Hermès – Série Limitée Jean-Louis Dumas' kits will also be sold, in honor of the former president of Hermès. These kits will include a 28mm f/2, 50mm f/0.95 and 90mm f/2 lens, and a exclusive Hermès camera bag. The limited editions will cost $25,000 and $50,000 respectively.

Adobe has announced a release candidate version of Adobe Camera Raw 7.1 and DNG Converter 7.1. The latest near-release version of the Raw processing plugin only works with Photoshop CS6 and brings support for the same 21 cameras that were added to Camera Raw 6.7 in the most recent update. This includes the Nikon D800m Canon EOS 5D Mark III, Olympus OM-D E-M5 and the most recent releases from Samsung.

We've just posted our Nikon D800 review. At 36MP, the D800 is the highest resolution camera you can buy without making the step up to medium format, it's also one of the first DSLRs to offer uncompressed video output. Despite these drastic increases in capability over the D700, Nikon's latest full-frame offering will be immediately familiar to any one who's shot with one of the company's high-end cameras. So what's the D800 like to shoot with and does all that resolution render its competition redundant?

Fujifilm has announced the FinePix XP170, an updated rugged, waterproof compact camera, featuring Wi-Fi to allow wireless image transfer to Android or iOS smartphones and tablets. The XP170 features a 14MP CMOS sensor that can shoot at up to 10fps, mounted behind a 5x, 28-140mm equivalent zoom lens. It is shockproof from 2m (6.5ft), and waterproof to 10m (33ft). The stand-out feature is its wireless image transfer function that allows images to be sent to smartphones and tablets, making it easy to upload to the internet.

Olympus has announced the Tough TG-1 iHS, a high-end rugged, waterproof compact camera. The main selling point of the camera is its 25-100mm equivalant F2.0-4.9 zoom lens. The TG-1 is tougher than previous Tough models, being waterproof to 12m (40ft) and shockproof from a height of 2m (6.6ft) and will have optional waterproof fisheye and telephoto converter lenses available. The TG-1 iHS is built around a 1/2.3"-type 12MP back-lit CMOS sensor and a TruePic VI processor to make the most of its output.

We've just been given access to a beta version of Adobe Camera Raw that supports the Fujifilm X-Pro1 and have used it to process our standard test scene. The good news is that it produces similar resolution to the camera's JPEG output and that it appears to recognize the selected dynamic range extension setting. The X-Pro1 is not a camera with obvious peers, so we've presented it alongside a mixture of DSLRs and mirrorless cameras. These are just our suggested comparisons - you are able (and encouraged) to choose your own. (Samples updated)

We've prepared a user guide to the Olympus OM-D E-M5, uncovering some of the more interesting features that might not be immediately apparent to new users. As part of reviewing the camera, and detailing its menus, we found a couple of settings combinations and obscure options that we think are worth knowing about. So, if you've recently received an E-M5, or are thinking about parting with your hard-earned cash for one, we hope you'll find this article useful.

Novoflex has announced a range of mount adapters for the Fujifilm X-Pro1's X mount. The adapters allow the use of a wide range of non-XF lenses with the 16MP mirrorless camera. The range supports a broad cross-section of current and legacy lenses, including Canon FD, Nikon, Contax, Olympus OM and Minolta MD and AF mounts. There is also an adapter to allow use of Leica M-mount lenses, if you can't wait for the one Fujifilm said it is developing. The adapters will be available from the end of May 2012 at prices range from around €89 to €169, depending on the complexity of the adapter (there are also adapters for medium-format lenses that can cost as much as €350). (via Photoscala)

The name Leica carries considerable cachet for many photographers, regardless of whether they've ever had a chance to shoot with one of the company's rangefinders or used one of its lenses. The fabulous cost and continued adherence to a near-obsolete, manual-focus, rangefinder design can be off-putting, making it easy to wonder whether the brand's proponents have bought into marketing or mystique. So just what is it like to shoot with an M9-P? We put the camera in the hands of four photographers with different backgrounds and shooting styles to see what the 'red dot' meant to them.

Accessory maker LockCircle has announced it will offer its 'LockPort' durable HDMI socket bracket for the Nikon D800. The LockPort800 combines a mounting plate that secures to the base of the camera with a miniHDMI-to-standard HDMI adapter that bolts onto it. This provides an easy-access full-size HDMI connector while also protecting your camera's miniHDMI socket from damage. The mounting plate is designed so that the camera can still be used with other mounts, tripod plates and accessories, in tandem with the LockPort. The LockPort800 will be available from June 2012 at a cost of $199/€99.

Nikon has confirmed to PDN that it is investigating a problem that can cause the D800 and D4 to lock-up while shooting. The company says that the issue - identified while PDN was reviewing the camera - can be avoided by disabling Highlights and RGB Histogram on the display. At present the lock-ups require the battery to be removed to restart the camera but PDN thinks it likely that Nikon will be able to come up with a permanent fix.

Bag maker Think Tank has announced an update to its Airport series of camera bags. Designed to meet the restrictions imposed by airlines on carry-on luggage, the series includes a model designed for international flight as well as smaller versions for space-limited short-haul flying. The three bags are all designed with room for an iPad and increasingly large laptops, and give clear indications of the camera bodies and lenses they will accommodate. All three come with a seam-sealed rain covers.

Just posted: Pentax K-01 studio sample shots. We're in the process of running a production K-01 through our studio tests, so wanted to present the results of our standard test scene. The K-01 fits a lot of the excellent K-5 into a somewhat avant-garde mirrorless body. Retaining a similar 16MP APS-C sensor to the K-5, we expect great things from it, in terms of image quality, so does it live up to those expectations? Raw shots corrected following the discovery of a processing error.

The ever-inquisitive Roger Cicala at LensRentals has dismantled a light-leak-fixed Canon EOS 5D Mark III and compared it to an unmodified version. The solution, as proposed by every tool-shed tinkerer, appears to be a piece of black electrical tape, which Cicala says successfully stops stray light reaching the camera's metering sensor. When asked if he'd send his own Mark III back to be modified, Cicala points out that he doesn't 'do long exposure night photography with autometering.' But, in the unlikely event that you do, you can rest assured that Canon can fix your camera for you.

Adobe has released the finalized version of Adobe Camera Raw v6.7, the last update that will work with Photoshop CS5. The final version include support for Canon's EOS 5D Mark III, Nikon's D800 and the Olympus E-M5, as part of a list of 21 cameras added. The update includes the most recent NX cameras from Samsung as well as coverage for a range of Fujifilm models. No support is yet included for the Fujifilm X-Pro1, however.

Software maker Visual Supply Co has created the VSCO Cam iOS camera app, to go alongside its 'VSCO Film' film simulation software. The $0.99 app works with both iPhone and iPad cameras, offering ten filters and a series of simple editing tools, including Grain, Fade, Contrast and Fill Light. It also makes it easy to share the images via social networks. Unusually, the app applies its filters to the pre-compression camera output. The company's blog features a selection of images taken on the launch day of the app, to give a taste of what its users can do.

DxO Labs has updated DxO Optics Pro to v7.2.3, adding support for the Canon EOS 5D Mark III and Pentax's K-01. The latest version includes 70 camera and lens combination modules for the 5D III and 26 for the Pentax K-mount mirrorless camera. As usual, a 30-day free trial of the software is available.

Joel Sternfeld was one of the photographers that pushed for the acceptance of color photography in fine art and documentary photography. Adam Koplan looks at a 'First Pictures,' a collection of his early work (1969-1980) and how it foreshadows his work that was to follow.

Slovakian startup 84.5mm has announced it range of filters for photography and cinematography. The company's name is a reference to the size of its filters, which are designed to be compatible with Cokin's 'P' filter holders. Initially 84.5mm will offer a series of predominantly handmade ND Grads and colored filters, made from CR-39 (often called 'organic glass').

Luminous Landscape has published an interesting article by former NASA captain Alan Poindexter about photography in space. Poindexter commanded the penultimate mission of the space shuttle Discovery in 2010, and had been lead photo/TV crewmember on previous missions. In the article he provides a unique perspective on the challenges of taking photographs in space.

We've just posted our review of the Olympus OM-D E-M5. The E-M5 is the first in a line of OM-D Micro Four Thirds cameras, featuring an electronic viewfinder and resembling the company's classic OM line of SLRs. It boasts a 16MP Four Thirds sensor and a '5-axis' image stabilization system, wrapped-up in a compact, weather-sealed magnesium alloy body with a tilting rear screen. It's also one of the most customizable cameras on the market. So does the range-topping camera live up to Olympus' promises? Click here to find out.

Triggertrap has announced a mobile app that converts your iPhone into a highly-configurable remote release for your camera. It works in concert with two hardware components, a 'Mobile Dongle' that connects to the phone plus a suitable camera cable, to offer a wide range of methods to release the shutter. These include timelapse, distance lapse (based upon the phone's GPS), face recognition, and sound, motion, and shock detectors. It can also control High Dynamic Range bracketing up to 19 exposures. A free trial version of the app is available for evaluation purposes. The full app and Mobile Dongle each cost $9.99, and are available now from the iTune App Store and Triggertrap web shop respectively.

We've just posted our hands-on preview of the Nikon D3200 entry-level DSLR. The D3200 builds on the the company's line of simple, accessible beginners' DSLRs by adding a higher-resolution screen, boosting its continuous shooting rate and adding details such as a microphone jack and infrared remote sockets. And then, of course, there's the 24MP CMOS sensor, making it by far the highest pixel-count camera in its class. Our preview builds on the samples gallery we posted earlier this week and includes our standard studio test shots.

Just published: Jeff Keller's in-depth review of the Panasonic Lumix DMC-ZS20 (TZ30 outside the US). The ZS20 is the slimmest 20x zoom camera on the market, with a lens covering a 24-480mm equivalent range and featuring the company's latest Power O.I.S stabilization. The 14MP high-speed MOS sensor allows the ZS20 to autofocus in as little as 0.1 seconds, and shoot at up to 10 frames per second (5fps with AF-tracking). It also has GPS and an updated mapping function to show photos on a map with greater detail. The ZS20 can capture 1080p60 movies in AVCHD or, in an interesting step for one of the creators of AVCHD, it can shoot 1080p30 in MP4 format.

Adobe has released a second Release Candidate version of Lightroom 4.1, its Raw conversion and asset management software. The latest version adds support for 13 additional cameras, including the Nikon D3200, Olympus E-M5, Pentax K-01, Ricoh GXR A16 24-85mm and the three latest Samsung NXs. Interestingly, it also adds an improved 'defringe' option to reduce axial chromatic aberrations. A series of blog posts by Adobe explains the latest changes.

Der folgende Artikel stammt von Rainer Mirau. Der studierte Umwelttechniker machte vor einigen Jahren sein Hobby zum Beruf und genießt nun die Freiheiten, die ihm die Landschaftsfotografie bietet. Viele Wochen im Jahr bereist er Nordeuropa, die Alpen und mediterrane Gebiete. Mehr Information zu seinem Schaffen findet Ihr auf Facebook und Google+.

Neben einer möglichst hohen Auflösung sind für mich als Landschaftsfotograf die technischen Finessen einer Fachkamera ein wichtiger Faktor, um zu optimalen Bildergebnissen zu gelangen. Das heißt aber zum Glück nicht, dass ich zehntausende Euro in ein schwerfälliges, digitales Mittelformatsystem investieren muss.

Mehrere Hersteller haben den Bedarf erkannt und in den letzten Jahren neue oder überarbeitete Tilt- und Shift-Objektive (kurz: TS) für Kleinbild-DSLR-Kameras auf den Markt gebracht. Der Kauf eines Canon TS-E 24mm II hat meine Arbeitsweise revolutioniert. Warum, möchte ich Euch hier nun genauer beschreiben.

Baum-Greise im nordspanischen Gorbea-Naturpark. Nicht nur bei Architekturaufnahmen ist mir die perspektivisch korrekte Darstellung wichtig. Senkrecht gewachsene Stämme würden durch Herunterneigen der Kamera unweigerlich nach außen stürzen. Nur ein Shift-Objektiv kann das verhindern.

Fangen wir am Anfang an. Die Tilt- und Shift-Funktionen sind ein Erbe aus der Großformatfotografie und in der Landschafts-, Architektur- und Produktfotografie bis heute verbreitet im Einsatz. So viele Vorteile die digitale Fotografie bietet, Tilt und Shift sind durch Nachbearbeitung am Computer nicht zur Gänze ersetzbar. Software zur Erweiterung der Tiefenschärfe und Entzerrung gibt es natürlich, ihr Einsatz geht aber immer mit einem Qualitätsverlust oder intensivem Arbeitsaufwand einher.

Tilt bedeutet das graduelle Verschwenken, Shift das parallele Verschieben des Linsensystems gegenüber der Bildebene, also dem Sensor. Näher möchte ich den technischen Hintergrund hier jedoch nicht erklären, denn es gibt Webseiten, die das übernehmen. Ich möchte in diesem Artikel die konkreten Vorteile und Möglichkeiten beschreiben, die mir Tilt- und Shift-Objektive im Zusammenspiel mit einem digitalen Kleinbild-System bieten.

Größere Schärfentiefe durch Tilt

Durch Tilt besteht die Möglichkeit, die Schärfeebene zu kippen. Bei typischen Landschaftsmotiven kann die Tiefenschärfe nie groß genug sein. Im Idealfall kann mittels der Hyperfokaldistanz der gesamte Bildinhalt scharf abgebildet werden. Leider ist das, wenn überhaupt, nur mit Weitwinkelobjektiven möglich.

Ruhiges Meer in Thailand. Auch, wenn dieses Motiv relativ einfach mittels Focus-Stacking (Fokus auf Vorder-, Mittel- und Hintergrund) umsetzbar wäre – ein Tilt-Objektiv ermöglicht mir dasselbe Ergebnis mit nur einer Belichtung bei der optimalen Blende f/8.

Hier kommt die Tilt-Funktion ins Spiel: Durch Legen der Schärfeebene in die Motivebene wird es möglich, schon bei mittelgroßen Blenden wie f/8 oder f/11 alles scharf auf den Sensor zu bannen. Im Kleinbildformat kommt im Normalfall kein größerer Winkel als ein Grad zum Einsatz, meistens reichen schon 0,5 Grad, um vom Stein im Vordergrund bis zu den Gipfeln im Hintergrund alles scharf abzubilden.

Formatunabhängig durch Shift

Durch Shift in Kombination mit dem Zusammenfügen zweier Bilder ergeben sich weitere Vorteile für mich: Die freie Formatwahl und die Erhöhung der Pixelanzahl. Bezüglich der Formatwahl ziehe ich es vor, das Motiv darüber entscheiden zu lassen, anstatt dem Motiv das Format des Sensors aufzuzwingen.

Singapur Financial District. Hier nutzte ich die Shift-Funktion nicht, um stürzende Linien zu vermeiden, sondern um den Bildwinkel zu erhöhen. Drei horizontale Einzelbelichtungen mit 24mm Brennweite ergeben ein Bild mit über 40 Megapixeln und einem Bildwinkel vergleichbar dem eines 16mm-Objektivs.

Durch die Möglichkeit des Shiftens ergibt sich eine auf den Bildinhalt abgestimmte Wahl des Seitenverhältnisses, das heißt: Ob quer- und hochformatige Panoramen, ein Quadrat oder 5:4 – alle Optionen bestehen. Und das Beste daran: Egal welches Format – die fertigen Bilder haben 30 – 100% mehr Bildpunkte.

Mir ist bewusst, dass man dies auch mit klassischem Stitchen erreichen kann, aber im Weitwinkelbereich kommt es zwangsläufig zu massiven Verzerrungen, die mir persönlich nicht gefallen.

Mitternachtsonne auf den Lofoten. Das hochformatige Panorama ist ein vernachlässigtes Format in der modernen 16:9 Querformat-Welt. Ich genieße die Freiheit, ein Motiv in mehreren Seitenverhältnissen abzubilden – so habe ich auch ein quadratisches Bild von diesem Motiv gemacht.

Digitales Shift bei längeren Brennweiten

Seitdem ich mit dem Tilt-Shift-Weitwinkel fast jedes Bild stitche, mache ich das auch mit längeren Brennweiten. Bei nicht shift-fähigen, gewöhnlichen Optiken mit Brennweiten über 35mm bewege ich die Kamera bis zu 50% des Bildausschnitts entlang der kürzeren Sensorseite, um das Motiv optimal ins Bild zu rücken.

Das funktioniert hervorragend und ist ausnahmslos anwendbar, ohne den Nodalpunkt zu beachten. Dieses ?digitale Shift? betrifft natürlich nur die Qualitäts-Junkies unter uns, was ich als Landschaftsfotograf uneingeschränkt bin. Die einfachere, aber qualitätsmindernde Variante wäre nachträgliches Zuschneiden.

Kombination von Tilt und Shift

Wenn es das Objektiv zulässt und das Motiv es verlangt, werden Tilt und Shift kombiniert. Als erstes tilte ich die Linse, um die Schärfeebene optimal ins Motiv zu legen. Bei zehnfacher Vergrößerung am Display beurteile ich mittels Live-View die Schärfe an den Rändern und belichte das erste Bild. Danach shifte ich in die gewünschte Richtung und belichte ein zweites Mal. Die Einstellung der Belichtung erfolgt manuell, damit beide Bilder die gleiche Helligkeit haben.

Goldenes Morgenlicht in den Zillertaler Alpen. Durch nur ein Grad Tilt erhalte ich Tiefenschärfe von einem Meter bis ins Unendliche. In Kombination mit Shift und dem Stichen zweier Querformate komme ich zum klassischen Großformat-Seitenverhältnis von 5:4.

Vignettierung

Durch die Nutzung des gesamten Bildkreises von Tilt- und Shift-Objektiven ist Vignettierung ein größeres Thema als bei gewöhnlichen Objektiven. Diese kann bei extremen Verstellwegen bis zu zwei Blenden betragen. Die Intensität von Verlaufsfiltern kann dadurch massiv verstärkt oder reduziert werden.

Die Vignettierungskorrektur einer Software ist in diesem Fall nicht geeignet, denn die Software weiß ja nicht, dass und wieviel geshiftet wurde. Sie geht immer von einer kreisrunden Abschattung aus, was bei geshifteten Aufnahmen nicht zutrifft. Die Vignettierung muss also von Hand in der digitalen Dunkelkammer erfolgen.

Am Salfein See in Tirol nach Sonnenuntergang. Diese Vignettierung könnte ich mit Leichtigkeit in der Nachbearbeitung korrigieren, ich mache es aber nur, wenn sie mir nicht gefällt. In diesem Bild zum Beispiel empfinde ich sie als eher positiv, sie verleiht dem Bild ein analoges Aussehen.

Wie sieht es auf dem Markt für Tilt- und Shift-Objektive aus? Von der Neuauflage bis zum ?alten Eisen? gibt es ungefähr 20 Tilt-Shift- oder nur Shift-Objektive. Etwas tiefer in die Geldbörse muss man dafür schon greifen. Aber man bekommt ja auch weit mehr als ein Objektiv, die Frontstandarte einer Fachkamera ist inkludiert. Eine andere Variante ist die Verwendung von Tilt- und Shift-Adaptern, mit denen man den großen Bildkreis eines Mittelformatobjektivs an einer Kleinbild-DSLR nutzen kann. Mirex und Zörk bieten solche Produkte an.

Tilt und Shift sind nicht für Jedermann. Zum zwischendurch Knipsen im Urlaub ist eine Vollformat-DSLR mit Tilt-Shift-Objektiv nicht die richtige Wahl. Ein Stativ ist Pflicht und das höhere Gewicht der Objektive und die aufwändigere Arbeitsweise verlangen einen engagierten Fotografen. Ganz abgesehen von dem Loch, das ein modernes Tilt-Shift-Objektiv in die Geldbörse frisst.

Als Gegenleistung erhält man als Fotograf technische und gestalterische Freiheiten. Wer tiefer in die Materie der Möglichkeiten der Tilt- und Shift-Fotografie eintauchen möchte, interessiert sich vielleicht für mein kürzlich erschienenes E-Book zu diesem Thema.

Die frühe Aktfotografie findet sich bereits kurz nach der Entdeckung der Fotografie und steht in enger Verbindung zur bildenden Kunst, was vor allem an der Auswahl der Modelle und der Motivik erkennbar ist.

Die Darstellung des nackten Körpers in der Malerei war keine Seltenheit und gesellschaftlich akzeptiert. Sowohl für die Malerei als auch für die Fotografie standen Frauen und seltener auch Männer Modell. Durch die Fotografie wurde den Menschen jedoch viel deutlicher, dass es sich bei den Abgebildeten um reale Menschen handelt. Während die Aktbilder der Malerei keine Aufregung verursachten, galten Aktfotos schnell als Pornografie.

Viele Fotografen versuchten daher, ihre Bilder durch Kunst und Wissenschaft zu legitimieren. Eindeutig wissenschaftlichen Charakter hatten zum Beispiel die Aufnahmen von Eadweard Muybridge. Er hielt mit Hilfe von ganzen Batterien von Kameras Bewegungsabläufe von Tieren und Menschen fest.

Treppensteigen von Eadweard Muybridge, ca. 1886

Viele Fotografen machten Aktaufnahmen vor allem, um sie als Vorlagen an Maler zu verkaufen. Eines der bekanntesten frühen Aktbilder ist der Rückenakt von Eugène Durieu (Fotograf) und Eugène Delacroix (Maler). Die beiden Franzosen arbeiteten für eine Reihe von Aktaufnahmen zusammen. Ob Delacroix die Posen arrangierte, während Durieu ausschließlich die Technik bediente, ist unbekannt, jedoch wahrscheinlich. Entstanden sind bei dieser Zusammenarbeit 32 Aufnahmen von Männern, Frauen und Kindern.

?Ich betrachte mit Leidenschaft und ohne zu ermüden diese Fotografien nach nackten Menschen, dieses wunderbare Gedicht, den menschlichen Körper.? – Eugène Delacroix

Aktaufnahmen von Eugène Durieu und Eugène Delacroix, 1853

Immer mehr Maler benötigten Vorlagen für ihre Bilder. Sie bemerkten schnell, dass Fotografien weit kostengünstiger waren als die Sitzungen für das oft stundenlange Modellstehen zu zahlen. Bekannte Fotografen, die vor allem diesen kommerziellen Zweig der Aktfotografie nutzten, waren Bruno Braquehais und Auguste Belloc.

Stereodaguerreotypie von Bruno Braquehais, 1858

Es gab natürlich auch Bilder, die eindeutig erotischer Natur waren. Die Fotografen veröffentlichten diese sogenannten ?Cochonnerien? nicht unter ihren bürgerlichen Namen, weshalb die Urheber der meisten dieser Fotografien heute unbekannt sind. Der Staat versuchte, den Vertrieb solcher Aufnahmen zu unterbinden, jedoch ohne großen Erfolg. Posiert haben für diese Aufnahmen neben beruflichen Modellen zunehmend auch Prostituierte.

Um sich dem moralischen Verbot zu entziehen und dennoch als Fotograf auftreten zu können, gab es mehrere Wege: Häufig liefen erotische Aufnahmen unter dem Deckmantel der wissenschaftlich-ethnologischen Forschung. So findet man viele Fotos von halbnackten Japanerinnen oder orientalischen Schönheiten. Auffällig ist hier, dass die Studiobilder sich verändern. Während für künstlerische Aufnahmen meist recht einfache Kulissen dienten, wurde die Umgebung bei erotischen Aufnahmen stärker inszeniert.

Aktaufnahmen im Freien waren zu Beginn der Aktfotografie hingegen sehr selten. Man findet sie ab und zu auf Fotos aus den Kolonien. Mehrere Postkartenmotive von halbnackten Frauen bei scheinbar tradioniellen und für die Europäer exotisch anmutenden Tänzen oder Alltagshandlungen fanden so legal Zugang als Grüße aus der Ferne in die Heimat.

Schlafende Japanerin von Baron Stillfried, ca. 1875

Um 1900 veränderten sich die Aktbilder stark. Die Fotografen entdecken neue Bereiche und Möglichkeiten, vor allem auch durch die sich entwickelnde Technik. Auch das Bild von Nacktheit in der Gesellschaft verändert sich zunehmend. Bedenkt man die Situation heute, bekommt man eine ungefähre Idee davon, wie schnell sich allein die Gedanken und Ansichten zur Aktfotografie gewandelt haben müssen. Aber davon ein anderes Mal.

Literaturangaben:
? Baatz, Willfried: Geschichte der Fotografie. Ein Schnellkurs. Überarbeitete und aktualisierte Neuausgabe. Köln 2008.
? Dewitz, Bodo von: Facts ? Tatsachen: Fotografien des 19. und 20. Jahrhundert aus der Sammlung Agfa Foto-Historama im Museum Ludwig Köln. Köln 2006.
? Koetzle, Michael: Photo Icons. Die Geschichte hinter den Bildern. 1827 – 1926. Köln 2002.
? Stephan, Peter: 50 Fotografen die man kennen sollte. München 2008.
? Stiegler, Bernd / Thürlemann, Felix: Meisterwerke der Fotografie. Stuttgart 2011.

Vielen Dank an das Fotostudio Lauer, die mir mit einigen Bildern geholfen haben!

Ich freue mich, dass wir auch Rüdiger Beckmann für unsere kleine und lose Serie ?Bilder und Geschichten? gewinnen konnten. Schon einmal gab er uns einen Einblick in sein Denken, sein Schaffen und das, was ihn antreibt.

Seit 1998 ist er ernsthaft fotografisch tätig und sein Buch ?Beyond Vanity ? Jenseits von Eitelkeit? hat den einen oder anderen Fotografen nachhaltig beeinflusst. Heute jedoch lässt er uns hinter ein Bild blicken, dessen Geschichte wir so niemals erahnt hätten.

Das ist eine lustige Idee mit den Geschichten hinter den Bildern, Marit. Wenn auch normalerweise am wichtigsten ist, was auf einem Bild drauf ist, war es in diesem Fall genau anders herum.

Das Bild zeigt meine erste Muse. Wir waren sehr lange Kommilitonen, über ein Jahrzehnt lang hatte sich eine sehr enge fotografische Zusammenarbeit entwickelt.

Nach dem Studium nahm sie sich eine Auszeit und ging ein halbes Jahr ins Ruhrgebiet, um sich über den weiteren Lebensweg klarzuwerden. Sie bekam von einem Bekannten die Möglichkeit, seine Wohnung zu nutzen, weil er nicht da war. Ich wollte sie dort immer besuchen, um diese Station auch fotografisch festzuhalten. Und ich war sehr gespannt, als es tatsächlich noch an einem der letzten Wochenenden passte.

Als ich die Wohnung betrat, bekam ich einen kleinen Schreck. In meiner gewohnten fotografischen Umgebung ist sicherlich nicht immer alles perfekt, aber hier wartete wirklich eine Herausforderung, denn alle Wände waren kanariengelb gestrichen. Der Mensch war wohl Autofan, denn jede Wand zierten diagonal (crazy) angebrachte Farbposter. Ferrari Testarossa, Lamborghini, nur das Beste, Schnellste, Bunteste.

Wir hatten im Studium viel Lars-von-Trier- und Arthaus-Kram gesehen und ich fand den Ansatz in der Dogma-Fotografie ganz schön, dass man für die Session eben das verwendet, was man vorfindet und nichts verändert. Es nützte nichts, wir mussten da durch. Also setzte ich mich an den IKEA-Schreibtisch, knipste die IKEA-Lampe an und wir machten Bilder.

Es dämmerte schon, da war nur sehr wenig Licht und ich nahm mir vor, den 400er-Film später auf ASA 1600 oder 3200 entwickeln zu lassen. Leider wurden die Filme im Reisegepäck durcheinandergewürfelt. Ich habe das Pushen dann einfach vergessen.

Eigentlich nur ein doofer Unfall. Aber Missgeschicke wie dieses haben, im Nachhinein betrachtet, sicherlich einen großen Einfluss auf meine Methode gehabt. Ich lege es zwar nicht bewusst darauf an, diese Unfälle zu erzeugen, aber ich freue mich immer, wenn sie passieren.

Und sie dürfen passieren, vor allem, wenn ich bedenke, was alles auf diesen Bildern hätte drauf sein können.

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Ihr seht schon, wie unterschiedlich die Bilder sind, die uns die Fotografen raussuchen. Einem Bild sieht man eben oft nicht immer an, welche Geschichte sich dahinter verbirgt. Sie bleiben normalerweise das Geheimnis zwischen Fotograf und Mensch oder dem Objekt, das er abbildet. Aber hier haben wir einmal die Möglichkeit, mehr über das zu erfahren, was wir sehen.

Ich liebe gute Fotografie, wie wahrscheinlich die meisten von Euch. Umso mehr freute es mich, dass ich vor Kurzem für die Sony World Photography Awards nach London fliegen durfte, um der Preisverleihung beizuwohnen. Ein paar Tage nur damit verbringen, sich die inspirierenden Arbeiten anderer Fotografen anzusehen – Perfekt!

Im Folgenden möchte ich Euch nun einige der Gewinner vorstellen. Ich habe mich bei der Auswahl bewusst nicht immer an die letztendliche Auswahl der Jury gehalten, sondern zeige hier die Serien, die mich selbst am stärksten berührt haben. Heute will ich mit Bildern aus der Kategorie Fotojournalismus anfangen.

Donald Weber – Life after zero hour

Der kanadische Fotograf Donald Weber war nach dem letztjährigen Nukleardesaster in Japan einer der ersten Fotografen in der Exklusionszone um Fukushima. Seine Bilder sprechen die Sprache eines Ortes, der noch vor Kurzem voller Leben war und von einem Moment auf den anderen verlassen wurde. Sie sind aber auch ein Aufschrei einer Welt, die wir versuchen nach unseren Bedürfnissen zu verändern, ohne die Risiken überblicken zu können.

Die Fenster sind offen, Früchte liegen herum und der Spül vom Morgen steht noch herum. Es sind die Bilder eines Ortes, der auch hier sein könnte. ?Wenn du jetzt alle in deinem Viertel anrufen würdest und sagst: ?Haut ab, sofort, bringt euch in Sicherheit!? – das wären die Bilder, die du bekommen würdest.?, erklärt Weber. Vielleicht ist es genau diese Direktheit, dieses Gefühl, dass es auch hier sein könnte, was diese stilllebenhaften Bilder so eindrücklich und berührend macht.

Mehr über die Arbeit von Donald Weber erfahrt Ihr auf seiner Webseite, auf der sich auch viele Arbeiten aus Chernobyl finden, sowie die Dokuserie ?Picture Perfect?, die in einer Episode Weber in Japan begleitet.

Rob Hornstra – Sochi Singers

Rob Hornstra aus den Niederlanden nennt sich selbst einen ?Slow Journalist?. Er arbeitet vor allem an Projekten, die über lange Zeiträume ausgelegt sind. So ist die Serie ?Sochi Singers? auch Teil eines größeren Projektes, das Sochi, die Stadt für die nächsten Olympischen Winterspiele und die Region drumherum portraitieren soll. Rob arbeitet an dem Projekt zusammen mit einem Schreiber. Zusammen wollen sie eine Art Atlas der Region erstellen und verschiedene Geschichten erzählen.

Die Serie “Sochi Singers” sucht dabei nach etwas ganz Speziellem. Rob erklärt: ?Eigentlich interessieren mich die Sänger in den Bars nicht. Was für mich interessant ist, ist die Einrichtung. Seit dem Ende der Sowjetunion wurde viel versucht, sich hin zu einem modernen Stil zu verändern, einem europäischen Stil, wie mir erklärt wurde. Doch das vermischt sich mit vielen anderen Einflüssen. Was mich interessiert, ist, wie ersetzt man einen alten Stil und was wird dann der ?neue? russische Stil??

Was mir vor allem gefällt ist die Vielschichtigkeit der Bilder. Die sehr flache Ausleuchtung lässt es manchmal wie ein Filmset wirken, mit Hunderten kleiner Geschichten. Ihr könnt mehr über Rob Hornstra auf seiner Webseite erfahren und auch sein Sochi-Projekt unterstützen, das sich fast ausschließlich durch Crowdfunding finanziert. Zufällig gibt es auch eine Episode von ?Picture Perfect? über Rob Hornstra und die Sochi Singers.

Maja Daniels – MONETTE & MADY

Maja Daniels ist eine junge Fotografin aus Schweden. Während sie für einige Zeit in Paris lebte, fielen ihr diese beiden identischen Zwillinge Monette und Mady auf, die sich nicht nur identisch kleideten, sondern auch ?ich? sagten, wenn sie über sich zusammen sprachen. Es dauerte über ein Jahr, bis beide einer Portraitsession zustimmten. Maja erklärte: ?Obwohl sie es mögen, im Rampenlicht zu stehen – sie nehmen an Filmproduktionen teil, haben Werbekampagnen gemacht – sind sie sehr private Personen.?

Nach dem ersten Portraitshooting dauerte es ein weiteres Jahr, bis Monette und Mady zustimmten, dass Maja sie für etwa eine Woche im Alltag begleiten durfte. Entstanden ist eine interessante Serie, die gestellte Bilder mit zufälligen Situationen verbindet und so einen Einblick in ein Leben gibt, das sich von Natur aus kaum von der anderen Person trennen lässt und gleichzeitig das eigene Leben zu einer Art Kunstwerk werden lässt.

Was mich hier besonders fasziniert hat, ist die Entstehungsgeschichte. Dass jemand, der seinen Lebensunterhalt damit verdient, im Rampenlicht zu stehen und es gleichzeitig im Alltag lebt, trotzdem diese strenge Trennung zwischen dem gemeinsamen Ich als Kunstwerk und dem Ich als Mensch zieht, das ist erst einmal überraschend. Umso spannender ist es dann zu sehen, wie mit Hartnäckigkeit und Vertrauen diese Grenze aufgebrochen werden konnte und beide Seiten für den Betrachter deutlich werden.

Andrew McConnell – Leaving Gaza

Eine Serie, die am Ende nicht gewinnen konnte, mich aber trotzdem völlig begeisterte, ist ?Leaving Gaza? von Andrew McConnell, der die Surfszene in Gaza Stadt dokumentiert hat. Für mich ist diese Serie eine dieser tollen Geschichten, die mit unseren Ideen eines Ortes brechen. Während wir eine Idee von Gaza haben, die von Krieg und Abschottung geprägt ist, zeigt die Serie von Andrew McConnell eine andere Seite.

Zwar sind die Bilder in dunklem Schwarzweiß gehalten, was uns immer wieder an das erinnert, was sich drumherum abspielt. Aber die Bilder zeigen auch eine Seite, die den Surfern von Gaza eine Flucht aus dem Alltag bietet. Die mittlerweile 23 Surfer in Gaza gehen raus ins Meer, um etwas anderes zu fühlen. Andrew, der selbst Surfer ist, erzählt: ?Nachts hörte ich Militärfahrzeuge und Raketenabschüsse, aber tagsüber waren wir draußen im Meer und die Welt war eine völlig andere.?

Ich mag Geschichten, die uns stereotypische Ideen eines Ortes überdenken lassen und uns die menschliche Seite der Geschichte näher bringen. Dadurch, dass wir uns in das Gefühl des Surfens oder nur des Im-Wasser-Seins und die Begeisterung dafür nachvollziehen können, kommen wir den Menschen näher und wir finden eine gemeinsame Ebene.

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Mehr Geschichten von den Sony World Photography Awards findet Ihr hier.

Welche Geschichten gefallen Euch am besten, habt Ihr Favoriten?

Der folgende Beitrag ist von Ronny Behnert, der aus Luckenwalde, einer Kleinstadt südlich von Berlin, stammt, mittlerweile aber in Berlin wohnt und arbeitet. Ronny hat schon mehrere Reiseberichte bei uns veröffentlicht. Seine Arbeiten findet Ihr auch bei Facebook.

?Das war Venedig, die schmeichlerische und verdächtige Schöne, – diese Stadt, halb Märchen, halb Fremdenfalle, in deren fauliger Luft die Kunst einst schwelgerisch aufwucherte und welche den Musikern Klänge eingab, die wiegen und buhlerisch einlullen.

Dem Abenteuernden war es, als tränke sein Auge dergleichen Üppigkeit, als würde sein Ohr von solchen Melodien umworben; er erinnerte sich auch, daß die Stadt krank sei und es aus Gewinnsucht verheimliche, und er spähte ungezügelter aus nach der voranschwebenden Gondel.

So wußte und wollte denn der Verwirrte nichts anderes mehr, als den Gegenstand, der ihn entzündete, ohne Unterlaß zu verfolgen, von ihm zu träumen, wenn er abwesend war, und, nach der Weise der Liebenden, seinem bloßen Schattenbild zärtliche Worte zu geben.? – ?Der Tod in Venedig? von Thomas Mann

Genau so verhielt es sich mit mir und der Jagd und Verfolgung von Motiven, Licht, Schatten und den besonderen Momenten, die jeden Fotografen mit Glück erfüllen. Venedig, die beliebte und einzigartige Lagunenstadt, stand bei mir schon lange ganz oben auf der Liste der nächsten Reiseziele und somit entschied ich mich kurzfristig für einem Trip in die Stadt der Gondeln.

Fotografisch stellte diese Stadt für mich wieder eine Herausforderung dar, da ich auf Fotowetter gehofft hatte, das vielleicht nicht jedem Venedigtouristen gefallen dürfte: Nebel, Regen, dicke Wolken und vor allem wenig Sonnenschein (der den Schattenwurf sonst doch maßgeblich verstärkt und in diversen Motiven regelrechte Störfaktoren schafft) kommen mir immer zu Gute. Gerade Venedig mit seinen detailreichen Gebäuden wollte ich so gut es ging ohne störende Schatten darstellen.

Mir wurde allerdings schnell klar, dass sich meine Zeiten zum Fotografieren auf morgens, abends und nachts beschränken würden, da erstens für die komplette Woche strahlender Sonnenschein angesagt wurde und zweitens die Stadt schon Ende Februar, kurz nach dem Karneval, von zahlreichen Touristen bevölkert sein würde, die die Plätze und Gassen schnell einnehmen dürften.

Auch der Stand der Sonne war meist recht ungünstig, so dass ich schnell herausfand, zu welchem Zeitpunkt ich mich an welchem Ort befinden sollte, um nicht direkt in die Sonne fotografieren oder störende Reflexionen auf dem Wasser aufnehmen zu müssen.

Am ersten Morgen führte mich mein Weg geradewegs auf den Markusplatz und zum Gondelanleger gegenüber der Insel San Giorgio Maggiore, wo ich bereits vor Sonnenaufgang ankam. Die Insel präsentierte sich in leichten Dunst gehüllt direkt vor mir in einem kräftig violetten Himmel. Meine Standplätze hatte ich mir bereits am Abend zuvor ausgeguckt, so dass ich wusste, welche Blickwinkel und Plätze ich am besten nutzen kann.

Nach und nach war das Ufer voll anderer Fotografen, die sich allerdings eher für den Sonnenaufgang an sich interessierten. Das Licht veränderte sich von Sekunde zu Sekunde und färbte sich von violett in rosa bis hin zu einem zarten Orange, das die nahegelegene Kirche Santa Maria della Salute anstrahlte.

Perfektes Fotowetter, aber auch eine perfekte und befriedigende Atmosphäre, die durch das Glockenläuten des Markusturms pünktlich zum Auftauchen der Sonne und durch das Geräusch des Wassers, das an die Gondeln schwappte und diese hin- und her bewegte, noch verstärkt wurde.

Der Anleger und der Markusplatz waren auch in den nächsten Morgen- und Abendstunden ein bevorzugtes Ziel für mich, da mir nie genug Zeit blieb, alle Motive in dem engen Zeitraum festhalten zu können. Zu schnell tauchte die Sonne die Gebäude in ein grelles Licht und die Stimmung des besonderen Augenblicks ein paar Minuten zuvor war Vergangenheit.

Danach zog es mich weiter zur Ponte di Rialto, die den ersten steinernden Fußweg über den Canal Grande darstellte. Blickte ich morgens auf der Brücke Richtung Norden, war das Licht wieder absolut perfekt, das die Gebäude und das Wasser in einem hellen Orange erstrahlen ließ.

Nur wenige Schiffe bewegten sich auf dem Kanal, so dass man auch hier einen guten Standpunkt für ein besonderes Venedigmotiv finden konnte. Ich musste nicht lange warten, bis sich mir die Situation bot, die ich mir erhofft hatte und so drückte ich ab und genoss währenddessen, wie die zauberhafte Lagunenstadt den Morgen begrüßte.

Alternativ zur Ponte di Rialto bot sich mir auch auf und sogar unter der Ponte dell’Accademia ein wundervoller Blick auf Santa Maria della Salute. Diesen Standort hob ich mir allerdings für die Abend- und Nachtstunden auf und so konnte ich gerade abends im besonderen Licht Venedigs ohne Probleme Langzeitaufnahmen von 400 Sekunden und mehr machen.

Im Laufe des Tages zwischen 10 und 16 Uhr bot sich mir die beste Zeit, die Stadt und ihr enges Labyrinth zu erkunden, um die Umgebung nicht nur durch die Linse der Kamera kennenzulernen und vor allem, um die Orientierung auch ohne Stadtplan zu behalten. So fand ich schnell heraus, welcher Ort sich am besten für welchen Zeitraum zum Fotografieren anbot, um das beste Licht zu erwischen.

Auch des Nachts ist es unglaublich spannend, die Stadt zu portraitieren. Venedig zeigt sich erst dann von seiner ruhigen Seite. Fast kam es mir so vor, als wäre sie in einen Dornröschenschlaf verfallen. Nur die Feuchtigkeit, die in der Stadt herrscht, zieht einem schnell in die Knochen, so dass es auf die richtige Kleidung ankam, die einem trotzdem für eine gewisse Zeit warm halten sollte.

So berief ich mich während des Aufenthalts in Venedig auf Manns ?Tod in Venedig? und wollte nichts anderes mehr als den Gegenstand, der mich entzündete, ohne Unterlass zu verfolgen, um von ihm zu träumen, wenn er abwesend war.

Fotospecial: Subway

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Deutschsprachig

? Die U-Bahn ist ein Mikrokosmos für sich. Das C/O Berlin sucht Euer bestes Foto aus dem Untergrund. Noch bis zum 13. Mai könnt Ihr am Subway Photo Contest teilnehmen. Verlost werden eine Jahreskarte für das C/O Berlin sowie drei Kataloge der aktuellen Ausstellung über Bruce Davidson.

? Osteuropa zwischen Zerfall und Aufbruch: Der Fotograf Hans Madej zeigt Momentaufnahmen aus einer fast vergessenen Zeit.

? Auf Photoinc gibt es ein schönes Interview mit der Foodfotografin Lucie Eisenmann. Uns haben die Bilder auf jeden Fall Appetit gemacht.

? Photonews berichtet von der spannenden Fotoreportage von Bieke Depoorter, die mit der Transsibirischen Eisenbahn gereist ist und Menschen portraitierte, die ihr einen Schlafplatz anboten.

? Der Deutsche Fotograf Michael Wesely ist bekannt für seine extremen Langzeitbelichtungen. Er meint mit seiner Technik wären sogar Aufnahmen möglich, die 10, 20 oder sogar 40 Jahre belichtet werden könnten.

? “Der aus Süd-Korea stammende Künstler Hong Sung Chul schafft dreidimensionale Bilder, indem er seine Motive auf zahlreiche elastische Bänder druckt.”

? Wie gehts eigentlich Kodak?

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International

? U-Bahn-Fotografie von Stanley Kubrick aus den 1940ern.

? ?When I saw something interesting and striking, I snapped it?, he said. ?If you start to ask questions first, the picture is ruined.? Jiri Makovec fotografiert in New York.

? Ein paar surreale 360°-Panoramen von Randy Scott Slavin.

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Neuerscheinungen und Tipps vom Foto-Büchermarkt

? Erotische Fotografien auf hohem Niveau und alles andere als Langweilig. ?Revenge? von Ellen von Unwerth ist nicht nur ein Fotobuch, sondern erzählt gleichzeitig eine Geschichte für Erwachsene. Nicht neu, aber sehr zu empfehlen.

Wir dachten uns, dass es mal wieder Zeit für eine neue Leseraktion wird. Und zwar eine ähnlich der, die wir im letzten Herbst mit Euch durchgeführt haben: Doppelbelichtungen für alle. Es werden also mal wieder Filme belichtet und mit einem zufälligen Partner per Post getauscht. Überraschungseffekte garantiert.

Nachdem die Teilnehmer unserer Leseraktionen in den letzten Monaten begeistert von gemeinsamen Fotoprojekte mit fremden Menschen waren, wiederholen wir es einfach noch einmal. Ändern aber die Rahmenbedingungen etwas, damit es nicht langweilig wird. Dieses Mal machen wir also analoge Doppelbelichtungen auf Mittelformatfilmen.

Mitmach-Checkliste

• analoge Mittelformatkamera
• ein Rollfilm
• etwas Zeit, um zwei Filme zu belichten
• ein paar Euro für die Entwicklung eines Films

Du hast nicht nur all das, sondern auch Lust, mitzumachen? Super. Bevor Du Dich anmeldest, lies noch den Zeitplan für die Aktion und stelle sicher, dass Du in den nächsten Wochen für alle Schritte genug Zeit hast.

Der Zeitplan

• Bis zum 12. Mai kannst Du Dich zur Leseraktion anmelden.
• Bis zum 19. Mai belichtest Du einen Film.
• Bis zum 23. Mai schickst Du diesen Film Deinem Tauschpartner. Wichtige Hinweise zu den Besonderheiten beim Doppelbelichten von Mittelformat findest Du weiter unten!
• Bis zum 2. Juni belichtest Du den Film, den Dein Tauschpartner Dir zugeschickt hat und bringst diesen zur Entwicklung.
• Bis zum 9. Juni schickst Du uns Eure vier schönsten Bilder, von jedem Film zwei.
• Wohl am 16. Juni zeigen wir Eure Ergebnisse hier auf KWERFELDEIN.

Soweit alles klar? Wunderbar. Dann kommen im Folgenden alle Details, die Du bei der Anmeldung beachten solltest, damit alles reibungslos über die Bühne geht. Im Unterschied zu unserer Leseraktion mit Kleinbildfilm haben wir uns nämlich ein paar Verfeinerungen überlegt, sodass möglichst viele Mittelformat-Begeisterte mitmachen können.

Die Anmeldung

Um Dich zur Leseraktion anzumelden, schicke bis zum kommenden Samstag, den 12. Mai eine E-Mail an uns, die die folgenden Angaben enthält:

• Deinen Namen und Deine Postanschrift*
• Angabe, welche Art Rollfilm Du da hast: Schwarzweiß, Schwarzweiß (C-41), Farbe (Gern Mehrfachnennungen)
• Angabe, welche Art Rollfilm Du bekommen möchtest: Schwarzweiß, Schwarzweiß (C-41), Farbe (Gern Mehrfachnennungen)
• Falls vorhanden: Link zu deiner Homepage oder einem Portfolio, auf das wir Dich bei der Präsentation der Ergebnisse verlinken

Die genauen Angaben darüber, wer mit Schwarzweiß- oder Farbfilmen arbeitet, macht diese Leseraktion hoffentlich für alle attraktiv, die daheim selbst entwickeln und sich daher z.B. auf Schwarzweiß-Filme verlegt haben. Alle anderen können beide Arten von Filmen beim Discounter entwickeln lassen – mehr dazu weiter unten.

Nach der Anmeldephase teilen wir Dir einen Tauschpartner so zu, dass Eure Filmpräferenzen zueinander passen. Wir hoffen, dass die Anmeldungen ?aufgehen? – wenn Du also beide Filmarten da hast bzw. entwickeln (lassen) kannst, umso besser.

Dieses Mal teilen wir Euch Euren Partner vor der ersten Belichtung mit. Das heißt insbesondere, dass Ihr Euch schon einmal z.B. über die verwendeten Filmempfindlichkeiten, Konzepte für Eure Doppelbelichtungen und ähnliches austauschen könnt. Oder alles dem Zufall überlassen – ganz wie Ihr möchtet.

Nun folgen noch einige technische Hinweise zum allgemeinen Vorgehen für Doppelbelichtungen, Kniffe für die Besonderheiten von Mittelformatfilm dafür und Tipps zu anderen Sachen drumherum. Bitte lest auch diesen Abschnitt noch aufmerksam, auch wenn es Euch vielleicht schon in den Fingerspitzen kribbelt.

Hinweise, Tipps und Kniffe

Was die Kamera angeht, wählt Ihr am besten eine aus, die die eingestellten Belichtungszeiten zuverlässig hält. So stellt Ihr sicher, dass bei einer Doppelbelichtung beide Belichtungen etwa gleich stark auf dem fertigen Bild zu sehen sind und nicht eine über das ganze Bild dominiert.

Es scheint keine Einheitlichkeit bei verschiedenen Kameramodellen zu geben, wo genau die einzelnen Bilder auf dem Filmstreifen liegen. Das heißt, dass Ihr mit versetzt übereinanderliegenden Bildern rechnen müsst, auch wenn Ihr beim Einlegen und Spulen sehr sorgfältig seid. Wir werden uns, was diesen Punkt angeht, von Euren Ergebnissen mit verschiedenen Kameras überraschen lassen. **

Damit die Doppelbelichtung gelingt, müsst Ihr den Film jeweils mit der halben Belichtungsstärke belichten! Also ISO 100 wie ISO 200, ISO 200 wie ISO 400 und so weiter. So landet nach zwei Belichtungen wieder die korrekte Menge Licht auf dem Film.

Wichtig bei Mittelformat: Nach der ersten Belichtung wird der Film nicht verklebt! Sondern Ihr begebt Euch mit dem Film und einer leeren Spule in einen stockfinsteren Raum (ggf. nachts), um den Film einmal umzuspulen. Den Anfang könnt Ihr bei Bedarf im Licht machen, also das Ende des Trägerpapiers in die leere Spule fädeln und ein paar Zentimeter aufwickeln.

Der Rest passiert im Dunkeln: Wickelt den kompletten Film mit Trägerpapier auf die Spule. Stramm und eng wickeln, an den Rändern zur Sicherheit ertasten, ob das Papier gerade auf die Spule läuft. Nach einem Stück Papierträger könnt Ihr auf der Unterseite das Ende des Filmnegativs ertasten. Es ist oft nicht am Papier festgeklebt, daher achtet hier ganz besonders darauf, dass Ihr es korrekt auf die andere Spule wickelt.

Das Umspulen ist übrigens aus zwei Gründen absolut erforderlich: Der Negativstreifen sitzt nicht mittig auf dem Papierträger. Ohne Umspulen eingelegt würden also einige Bilder aufs Papier und nicht auf den Film belichtet werden. Außerdem ist das Filmende oft nicht am Papier verklebt. Der Film würde sich dann nur wild in Eurer Kamera verheddern und vielleicht sogar etwas kaputt machen. Also bitte ans Umspulen denken!

Mit etwas Tesafilm verklebt Ihr die Lasche am Anfang des Films so, dass sie sich nicht von allein öffnen kann, aber Euer Tauschpartner sie zum Einlegen wieder lösen kann. Am besten verpackt Ihr den Film danach wieder in seiner Originalverpackung, so schützt Ihr ihn auf dem Posttransport besser vor Lichteinfall und Beschädigungen.

Für alle, die nicht selbst entwickeln, ein paar Worte zu den Discountern, bei denen Ihr für ein paar Euro die Filme entwickeln lassen könnt: Macht einen (großen) Vermerk auf die Auftragstasche, dass es sich um Mittelformat handelt. Falls Ihr nur Negative (ohne Prints) haben möchtet, schreibt auch das dazu. Die Entwicklungszeit beträgt bei Discountern erfahrungsgemäß ca. eine Woche, gebt Eure Filme also nicht zu spät ab.

Ihr könnt auch angeben, dass Ihr Eure Negative ungeschnitten haben möchtet. Bei einigen Discountern führt das leider zu erheblichen Verlängerungen der Entwicklungszeit. Falls ungeschnittene Negative einigen Teilnehmern aber wichtig sind, verschieben wir gegebenenfalls die Präsentation der Ergebnisse, bis alle Bilder da sind.

Gute und schlechte Erfahrungsberichte hört man zu allen Discountern. Ob man also Filme bei dm, Schlecker, Müller, Rossmann oder sonstwem abgibt, ist alles in allem eine Geschmacksfrage und auch Glückssache. Am ehesten verlässlich sind Erfahrungen, die jemand bei der gleichen Filiale gemacht hat.

Denkt auch daran, Eure Ergebnisse selbst zu scannen oder direkt beim Entwickeln scannen zu lassen, damit Ihr Eurem Tauschpartner seine Bilder und uns Eure besten Ergebnisse schicken könnt!

Zum Stöbern empfehlen wir Euch unsere letzte Doppelbelichtungsaktion, deren Ergebnisse Nummer #1 und Nummer #2 sowie die Artikel zum Thema, die eher technisch oder auch konzeptuell an das Thema Doppelbelichtungen herangehen.

Haben wir etwas vergessen oder habt Ihr noch Fragen? Dann: Einfach fragen! Am besten direkt hier in den Kommentaren, so sehen alle anderen Interessierten auch die Antworten.

* Eure Daten werden ausschließlich Eurem Partner für die Durchführung dieser Aktion mitgeteilt, von KWERFELDEIN nicht anderweitig verwendet und nach Abschluss dieser Aktion nicht weiter gespeichert.

** Kleines Update: Da man im Allgemeinen die Bilder mit verschiedenen Kameras nicht genau übereinander gelegt bekommt, bin ich auch nicht auf verschiedene Formate und Orientierungen eingegangen. Es sind also alle Aufnahmeformate (und auch -orientierungen) willkommen, da die Aktion ausdrücklich auf den Einfluss von Zufall setzt.

Dies ist ein Artikel von Eileen Huhn und Pierre Horn. Eileen macht gerade ihren Bachelor an der HTW in Kommunikationsdesign und Pierre ist Autodidakt und Lyriker. Gemeinsam arbeiten sie als Fotografen und Designer unter dem Namen Schall und Schnabel bevorzugt in der Portrait- und Modefotografie.

Es mag ungewöhnlich erscheinen, dass wir zusammen fotografieren. Gleichberechtigt und abgestimmt aufeinander. Für uns ist es völlig normal, uns die Menschen zu teilen, die wir uns zum Fotografieren einladen.

Zu zweit fotografieren wir mit Unterbrechungen seit etwa vier Jahren. Angefangen haben wir mit einer Reihe natürlicher Aktaufnahmen. Wir haben Menschen auf immer demselben, weißbezogenen Bett, in derselben Lichtsituation über ein Jahr verteilt fotografiert.

Eine Versuchsanordnung, bei der wir den Anspruch an uns hatten, innerhalb des strikt festgesetzten Rahmens einen neuen, einen anderen Blick auf das Immergleiche zu finden. Und auch, wenn wir uns mittlerweile in anderen fotografischen Bereichen bewegen, haben wir uns anhand dieser Serie fotografisch und in unserer gemeinsamen Arbeitsweise geschult und entwickelt.

Dabei versuchen wir es zu vermeiden, die Menschen, die wir fotografieren, ins Kreuzfeuer zweier Kameras zu nehmen. Aber es ist schon vorgekommen. Im Normalfall aber fotografiert immer nur einer von uns, während der andere pausiert, assistiert und die Zeit nutzt, um eine neue Perspektive einzunehmen.

Häufig werden wir im Vorgespräch oder nach einem Shooting gefragt, wie wir unsere Bilder auseinanderhalten können; wie wir wissen können, wer welches Bild gemacht hat. Gerade andere Fotografen können sich nur schwer vorstellen, ihre Kamera weiterzugeben. Oder dass das Vertrauensverhältnis zwischen abgelichteter Person und Fotograf durch einen weiteren Fotografen verändert, wenn nicht gestört würde.

Natürlich kommt es vor, dass der andere das Bild macht, das man selbst gern geschossen hätte. Sicherlich: Wir beeinflussen einander stark, können aber dennoch auseinanderhalten, wer welches Bild gemacht hat, weil wir unterschiedlich mit dem jeweiligen Menschen interagieren und andere Bildausschnitte wählen.

Zu zweit zu arbeiten, heißt nicht nur, im jeweils anderen den perfekten Assistenten zu haben, der genau weiß, wo Reflektoren und Licht gesetzt werden müssen, sondern gerade in der Retusche, Location- und Modellsuche einander zu unterstützen, immer einen Zweitprüfer an der Hand zu haben. Und bei jüngeren, aufwändigeren Produktionen ist Fotografieren ohnehin die Arbeit mit einem Ensemble an vertrauten Menschen, Visagisten, Assistenten, Stylisten und Designern.

Am Anfang jeder Reihe, wenn wir uns in einen neuen Bereich vorwagen, probieren wir zunächst aus, sofern sich eine Idee nicht im Dialog entwickelt. Die meisten Bildideen entwickeln sich erst im Prozess, intuitiv und experimentell. So entstand im letzten Jahr eine freie Arbeit, an der uns persönlich viel liegt. Wieder eine Versuchsanordnung unter gleichen Lichtbedingungen, im gleichen Raum, schwarzweiß, analog, Bewegungsunschärfen.

Herausgekommen ist eine fortlaufende Reihe von Bildern, die das Figürliche fast verlassen, die einen Ausdruck suchen im Vagen, die tänzerisch sein können, die den manchmal schmalen Grat zwischen Zärtlichkeit und Gewalt ausloten.

Ohnehin, außer wir arbeiten im Bereich der Mode, in dem vieles vorab festgelegt und konzipiert ist, bleibt das Fotografieren zumeist für uns eine Suchbewegung ohne allzu feste Vorstellung davon, wie ein Bild, ein Portrait später auszusehen hat. Es entsteht in der Interaktion mit dem jeweiligen Menschen, ist auf den Zufall angewiesen, auf die Stimmung.

Wir wissen nicht genau, ob die letztliche Fotografie einen Wiedererkennungswert besitzt, auch wenn das unser einziger Anspruch wäre. Und die unbedingte Abwechslung: Mal mehr Mode, mal mehr Portrait zu machen, frei zu arbeiten oder in Abstimmung.

Und wir glauben, es braucht nicht viel, um einen Menschen zu fotografieren. Manchmal ist es ehrlicher, ohne großen Aufwand oder eine komplexe Inszenierung – auch wenn uns das konzeptuelle Arbeiten immer mehr reizt.

Da genügt es, mehrmals ein und denselbem Menschen zu fotografieren, um im gegenseitigen Vertrauen ein Portrait anzufertigen. Zu diesem einen Moment zu kommen, da Fotograf und Fotografierter offen sind, einerseits geöffnet, sich zu zeigen, andererseits bereit, dem Gezeigten zu begegenen. Das kann länger dauern und viele Gespräche erfordern, manchmal aber gelingt es sehr schnell und ohne einander vorher näher kennenzulernen.

Bei der freien Arbeit bleibt natürlich mehr Zeit dafür. Geht es um Mode oder um ein Konzept, das umgesetzt werden soll, ist sich aufeinander einzulassen abhängig von der Stimmung am Set, von den Vorbereitungen und Absprachen.

Manchmal muss man gegen sich arbeiten, gegen das, was man bereits gemacht hat und zu können glaubt, um sich der jeweiligen Situation und dem jeweiligen Menschen zu überlassen. Die Kontrolle abzugeben, also zu vertrauen. Das Wichtigste in der Zusammenarbeit. Als fotografisches Wir.

Sie waren die Welt-auf-den-Kopf-Steller, die Hippies unter den Künstlern und meine Helden, die Surrealisten. Sie verbogen die Realität wie ein Zerrspiegel, verwischten Zeit und Raum und sind für mich wie Zauberer mit doppelten unsichtbaren Böden.

Sie sind meine Helden, weil sie mein Weltbild veränderten und mir zeigten, dass es in der Kunst keine Grenzen gibt, außer die, die man sich selbst auferlegt. Erst in den 20er Jahren des letzten Jahrhunderts fand die Fotografie dank des Surrealismus ihren Eintritt in die Kunstwelt.

Die Schuld daran schiebt man dem Fotografen J. A. Boiffard zu, Mitbegründer der Gruppe. Die Fotografie war plötzlich gar nicht mehr nur das Medium der realistischen Darstellung, denn nun machten die Gespinste im Kopf auch vor diesem doch vorher so starren Medium keinen Halt.

Die Grenzen waren durchbrochen, die verzerrte Realität hielt Einzug in die Fotografie. Es sind die Themen, die mich an die Bilder damals wie heute fesseln, die bildliche Auseinandersetzung mit Dingen, die wir nicht fassen können oder uns Angst machen, wie Wahnvorstellungen, (Alb-)Träume oder Metamorphosen. Sie haben meine Arbeiten stark beeinflusst und wenn ich mich in der Fotografenwelt so umschaue, dann nicht nur mich.

Die Verbildlichung dieser Themen erwartet regelrecht, fotografische als auch manchmal moralische Grundsätze über den Haufen zu werfen. Roger Ballen inszenierte beispielsweise Bilder mit behinderten Menschen, dafür bekam er Anerkennung, musste aber gleichzeitig auch viel Kritik einstecken. Denn es kam die Frage auf, ob man Menschen mit Behinderungen kostümieren und fotografisch ?vorführen? darf.

Francesca Woodmann erfand für sich eine sinnliche und zugleich verstörende Bildsprache. Und so könnte ich die Liste der Fotografen, die mich beeindrucken weiter und weiter fortsetzen.

Unschärfen, Verwacklungen oder Linienwirrwarr werden benutzt, um Geisteszustände darzustellen. Alles, was in der Realität seinen festen Platz hat, darf hier verschoben, verschmolzen und neu zusammengesetzt werden. Es wird mit Materialien experimentiert, in der Dunkelkammer, ob analog oder digital, verfremdet und verändert. Am Ende soll ein Bild entstehen, das die Welt des Betrachters auf den Kopf stellt oder zumindest ein Lächeln auf seinem Gesicht hinterlässt.

Ich habe mich im Netz nach den Erben der Surrealisten umgeschaut und die aufgespürten Fotografen außerdem gebeten, ein wenig über ihre Intentionen zu schreiben, solche Bilder zu machen. Interessant dabei war, dass fast keiner der Befragten seine Bilder im Kontext des Surrealismus sah und sie erst nach dem Zusenden meines bis dahin verfassten Artikels die Verbindungen erkannten.

Foto: Carmen Renn

Es gibt Momente, in denen betrete ich ein Gebäude oder einen Raum und ich werde von einer seltsamen, nur schwer zu definierenden Stimmung gefangengenommen. Oder ich betrachte alte Familienfotos und es tun sich in mir andere Welten auf. Oder ein Traum hallt noch lange nach dem Aufwachen in mir nach – um solche Gefühle geht es mir in meinen Bildern. Gefühle, die man nicht unmittelbar mit dem Verstand erklären kann, denen kein wirkliches Ereignis vorausgeht, die einfach kommen und manchmal auch genauso schnell wieder vergehen, aber dennoch großes Gewicht haben. In meinen Bildern versuche ich, solche Stimmungen sichtbar zu machen und sie auf diesem Wege weiterleben zu lassen…

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Die traumtänzerischen Bilder und das eigene Bildermachen solcher, wie es Carmen Renn beschreibt, sind der Grund, warum ich diesen Zweig der Fotografie so sehr liebe. Die Fotografie ist dann neben dem Selbstbildnis auch das spielerische Verknüpfen neuer Verbindungen im Hirn. Eine Erweiterung des Sehens und Fühlens. Foto: Ingrid Luquet-Gad

Indem ich artfremde Elemente wie Text, Collagen oder Zeichnungen einbringe, beabsichtige ich, die Fotografie als spezifisches Medium zu erforschen; zu hinterfragen, was eine Fotografie zu einer Fotografie macht. Es ist hauptsächlich ein Weg, eine theoretische Reflexion zu vertiefen, die von Kritikern wie Jean-François Chevrier inspiriert wurde, der der erste war, der von Fotografie wie von einem Gemälde sprach (?tableau photographique?).

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Bei vielen Gesprächen mit Fotografen hatte ich das Gefühl, dass der Begriff ?Kunst? sehr ungern im Bereich der Fotografie benutzt wird. Vielleicht, weil der Begriff einerseits inflationär eingesetzt wird und anderseits, weil man sich nicht selbst zu einem Künstler erheben will, man seine eigenen Arbeiten lieber vom Betrachter als Kunst bezeichnen lassen möchte.

Foto: Peter Runkewitz

Meine Intention solcher Bilder ist einfach beschrieben: Weil es sich dabei um Selbstportaits handelt, steckt in jedem dieser Bilder ein gewisser Teil Selbsttherapie. Es war kein wirklicher Entschluss, sondern mehr eine Fügung, dass ich solche Bilder meistens als Langzeitbelichtungen zwischen 15 und 30 Sekunden festhalte. Auf diese Weise wohnt den Fotos etwas vom Charakter des bewegten Bildes inne, weshalb ich den Serien meiner Selbstportraits dieser Art den übergeordneten Titel ?short films? gegeben habe. Weil die Konturen fehlen, ergibt sich deutlich mehr Spielraum für Interpretation und vor allem Gefühl, was die Geschichte des Bildes betrifft. Das liegt am Ende freilich jedoch im Auge des Betrachters; ich habe da selten wirkliche Vorstellungen, was ich beim Betrachter auslösen will.

Und oft ist es auch gut, wenn man einfach macht, anstatt darüber zu philosophieren, warum man es überhaupt macht. Im Moment des Tuns kann dann eine Kraft entweichen, die sich in starken Bildern widerspiegelt, wie es sich in den Bildern von Peter Runkewitz zeigt. Begonnen als ein Teil der Selbsttherapie wirken sie auf mich wie Teile eines Films von Lars von Trier. Bilder mit einer ganz eigenen Botschaft für den Betrachter, der sie dann weiterführt.

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Die Fotografie als ein Werkzeug zu betrachten, um neue Gebilde darzustellen, das ist es, was mich immer wieder reizt und was ich ausloten möchte. Dabei haben die vielen Bilder, die ich tagtäglich sehe natürlich Einfluss auf meine Empfindungen, ob ich das nun will oder nicht. All das umgibt mich und ich nehme die vielen fotografischen Fäden um mich herum auf und versuche, sie neu zu verknüpfen. Mir macht dieses Spiel ungeheuer Spaß.

Ich bin ein Fan von knackig scharfen Landschaftsfotos. Besonders, wenn ich mir gedruckte Fotos weiter Landschaften ansehe, reicht es mir nicht, die Bilder aus der Ferne zu betrachten. Ich untersuche gerne die Details, gehe sehr nah an das Bild heran und freue mich beispielsweise, wenn ich auf den Hügeln in der Ferne noch die einzelnen Bäume erkennen kann.

Auch für meine eigenen Fotos strebe ich ein Ergebnis an, das einem genauen Blick standhält. Während bei Fotos mit längeren Brennweiten ein weiches Bokeh durchaus schmeichelhaft sein kann, möchte ich, dass bei meinen Weitwinkelaufnahmen vom Vordergrund bis zum Horizont alles scharf abgebildet ist.

Aber was ist nötig, um diese Fülle an Details in ein Landschaftsfoto zu bekommen? Es gibt einige Techniken, die dabei helfen. Ich möchte diese hier in einer Art Checkliste mit Euch teilen.

Die Aufnahme

Zunächst einmal ist ein stabiles Stativ hilfreich und bei längeren Belichtungen sogar unverzichtbar für verwacklungsfreie Fotos. Wenn ich mit Stativ arbeite, benutze ich außerdem einen Kabelauslöser oder den 2-Sekunden-Selbstauslöser der Kamera.

Bei starkem Wind versuche ich, das Stativ windgeschützt zu positionieren und ich beschwere es zusätzlich. Dazu haben manche Stative an der Mittelsäule einen Haken, an den ich zum Beispiel meinen Kamerarucksack hängen kann.

Hilft das noch nicht genug, versuche ich, das Stativ kompakt aufzubauen, also die Beine eingezogen zu lassen. Ich bin dann zwar mit der Kamera näher am Boden und in den Kompositionsmöglichkeiten eingeschränkt, jedoch kann ich mich nun selbst auf das Stativ stützen und so für zusätzliche Stabilität während der Aufnahme sorgen.

Um Vibrationen durch das Herunterklappen des Spiegels zu vermeiden, könnte ich die Spiegelvorauslösung nutzen. Da ich jedoch meist mit Live-View arbeite, ist das nicht nötig.

Vorsicht ist bei Objektiven mit Bildstabilisator geboten. Bei Aufnahmen mit Stativ stelle ich sicher, dass dieser deaktiviert ist. Bei den längeren Belichtungszeiten, die ich oft nutze, versucht der Stabilisator sonst, etwas auszugleichen, was gar nicht vorhanden ist und sorgt so selbst für Vibrationen.

Eine kleine Blende sorgt für eine größere Schärfentiefe und somit für schärfere Fotos. Nicht ganz: Es gibt einen Punkt, ab dem weiteres Abblenden dazu führt, dass das einfallende Licht an der Blendenöffnung sichtbar gebeugt wird. Mit sichtbar meine ich hier, dass ich im Foto später einen merklichen Schärfeverlust feststellen kann. Ich fotografiere deshalb fast ausschließlich bei Blenden zwischen f/8 und f/13, was bei meinen Objektiven die besten Ergebnisse liefert. Ich empfehle jedem, das für seine Objektive selbst zu testen, es gibt mitunter starke Abweichungen.

Für eine große Schärfentiefe ist Abblenden also keine Option für mich. In der Weitwinkelfotografie reichen aber oft schon kleine Blendenwerte für eine Schärfentiefe, die von wenigen Metern bis unendlich reicht. Mit Kenntnis der Hyperfokaldistanz kann ich den Fokus so einstellen, dass alles von der halben Hyperfokaldistanz bis unendlich scharf abgebildet wird – theoretisch. Denn was heißt scharf? Je nach Anspruch an die Schärfe im Foto gibt es erhebliche Unterschiede bei der Berechnung der Hyperfokaldistanz. Mit dem Rechner auf dieser Seite kann man das ganz gut ausprobieren.

Am Ende bleibt nur, selbst auszuprobieren, welcher Fokus für welchen Bereich eine außreichende Schärfe liefert.

Mir selbst ist die Hyperfokaldistanz nur ein erster Anhaltspunkt. Ich habe nie ein gutes Gefühl, wenn ich mich gänzlich darauf verlasse. Lieber gehe ich auf Nummer sicher und mache mindestens zwei Aufnahmen einer Szene. Zunächst fokussiere ich auf ein Objekt im Hintergrund oder einfach auf fast unendlich. Darauf folgt eine Aufnahme mit dem Fokus im Bereich zwischen ein und zwei Metern.

Ich kann dann später bequem am PC entscheiden, ob mir eine der beiden Aufnahmen schon genug Schärfentiefe liefert, oder ob ich beide überblende. Focus Stacking ist das Stichwort für dieses Verfahren.

Für volle Kontrolle fokussiere ich mit dem Weitwinkel ausschließlich manuell unter Zuhilfenahme des Live-Views. Bei 10-facher Vergrößerung kann ich den Fokus so sehr genau bestimmen.

Ihr seht, schon während der Aufnahme kann ich einiges für ein scharfes Ergebnis tun. Mittlerweile passiert das schon fast automatisch. Vor allem das Aufnehmen zweier Fotos mit unterschiedlichem Fokus ist eine enorme Erleichterung. Ich muss mir keine Gedanken machen, wo ich den Fokus platzieren muss, um später ein komplett scharfes Foto zu haben.

Wohlgemerkt lässt sich dieses Vorgehen nicht 1:1 auf die Analogfotografie übertragen. Focus Stacking und Live-View würden wegfallen. Das Gleiche gilt, wenn es schnell gehen muss. Dann versuche ich mit einer Aufnahme und ohne Live-View auszukommen. Es hilft also in jedem Fall, die Hyperfokaldistanz zu kennen und zu verstehen.

Die Bearbeitung

Habe ich die Fotos dann zuhause auf den Rechner übertragen, gibt es mindestens noch einmal genauso viel zu beachten.

In Lightroom bereite ich die Fotos für weitere Bearbeitungen in Photoshop vor. Zu dieser Vorbereitung gehört die Objektivkorrektur. Das Entfernen von chromatischer Aberration ist dabei besonders wichtig. Zu den Rändern hin kann ein Foto durch die Verschiebung der einzelnen Farbkanäle relativ zueinander sonst unscharf wirken.

Unter Objektivkorrektur in Lightroom fällt auch das Entfernen von Verzerrungen. Bei Landschaftsfotos stört diese jedoch meistens nicht und so setzte ich die Stärke hier auf Null. Beim Entzerren wird das Bild besonders in den Randbereichen gestreckt, was sich negativ auf die Schärfe auswirken kann.

Direkt aus der Kamera sind die Bilder trotz all dem Aufwand immer noch nicht sehr scharf. Deshalb schärfe ich die Fotos in Lightroom vor. Eine Stärke von 80 bei einem Radius von 0.8 liefert mir gute Ergebnisse. Es kann sich hier auch lohnen, das Bild zweimal zu schärfen, besonders bei feinen Strukturen im Bild, zum Beispiel bei Sand.

Ich schärfe dann einmal bei genannter Stärke und Radius mit minimaler Maskierung und exportiere das Ergebnis. Dann nehme ich die Schärfe zurück und erhöhe die Maskierung auf 50 und exportiere das Ergebnis erneut. Das ist nötig, da im ersten Fall auch das Rauschen im Bild geschärft wird. In Photoshop überblende ich dann beide Bilder und picke die besten Bereiche heraus.

Den Regler für Klarheit setze ich auf einen Wert zwischen 10 und 30 und erhöhe so den Mikrokontrast im Bild. In Photoshop erhöhe ich den Mikorkontrast weiter. Dazu verwende ich gerne die Freaky-Details-Technik von Calvin Hollywood. Jedoch nur selektiv durch eine Maske, da der Effekt sonst für Landschaftsfotos zu stark ist.

Auch Kontrastanpassungen mit Gradationskurven können das Bild am Ende detailreicher wirken lassen.

Am Ende der Bearbeitung in Photoshop steht das Schärfen für das jeweilige Ausgabemedium. Einmal schärfe ich die Fotos fürs Web, wobei ich eine Technik verwende, die von Marc Adamus und einigen amerikanischen Fotografen bekannt gemacht wurde: Ich skaliere das Bild zunächst auf das 1,667-Fache der finalen Auflösung. Hier schärfe ich das Bild sehr stark, zum Beispiel durch zweimalige Anwendung des Filters Scharfzeichnen. Danach wird das Bild auf die Zielgröße skaliert. Wichtig ist dabei, in Photoshop die Einstellung bikubisch zu verwenden und nicht bikubisch schärfer. Danach kann ich die Schärfeebene für ein optimales Ergebnis noch mit einer Maske anpassen.

Für den Druck schärfe ich anders: Hier geht es mir nicht darum, dass das Foto auf dem Bildschirm gut aussieht. Im Gegenteil, am Bildschirm wirkt es oft sogar überschärft. Aber das ist nötig, um einen scharfen Druck zu erhalten. Ihr findet ein Video, in dem ich meine Technik genauer beschreibe auf meinem Youtube-Kanal.

Wichtig ist auch hierbei, selbst auszuprobieren, was die gewünschten Ergebnisse liefert. Jeder Mensch hat unterschiedliche Präferenzen. Was für mich scharf ist, kann für einen anderen Betrachter überschärft wirken oder nicht scharf genug sein.

Ihr habt nun einen Einblick bekommen in meine Herangehensweise, um technisch hochwertige Fotos zu erhalten. Selbst wenn man mit Bokeh arbeitet und nur einzelne Bereiche im Foto scharf haben möchte, kann man einige der eingesetzten Techniken verwenden.