www.jrbnet.de

Liebe Leute, ich habe eine ganze Reihe von Videos in der Pipe, die mit einer DSLR gedreht wurden. Ich hatte ursprünglich vor, alle bisher gesammelten Videos in einer Art Listenpost zu zeigen, doch als ich auf dieses wunderbare Stück Film gestossen bin, wollte das nicht unter vielen anderen versickern lassen.

Ride wurde mit Canon EOS 5Ds gedreht – das konnte ich den Kommentaren der zugehörigen Vimeoseite entnehmen:

Here’s some production notes: “The whole production was highly collaborative and nothing was traditionally scripted. Each film was shot on 5D and the three directors were given freedom to interpret a ?fierce? attitude and creative expression without storyboards or pre-determined narratives.” Yeah, and the fire on the whole, is real.

Es ist offensichtlich, dass das Video nicht mal so nebenher von ein paar Skaterfreunden gedreht wurde. Hier war eine professionelle Crew am Start, und das spielt eine entscheidende Rolle bei solch aufwendigen Produktionen. Und ja, dahinter steckt BURN, der Hersteller des Energy-Drinks.

Burn Ignite: Ride

Auf deren Website steht noch folgende Information über das Video:

Steve Berra (The Berrics) joins Mexican skaters Jesus Gonzalez [...] for this Burn Ignite film, shot on location in Mexico City. RIDE meditates on skaters’ unique relationship to the street and their use of what’s at hand to remake the world around them.

… und das kommt im Video auch rüber. Ride ist ein Teil von 3 Kurzdokumentationen – die beiden anderen sind Playground und Peepshow vs. Quebec, wovon mir Playground ebenfalls gut gefallen hat.

Weiter findet sich auf Hoaxville.com der Zusatz, das Film-Objektive an der 5D benutzt wurden.

Was mich persönlich an diesem Video fasziniert, ist, wie die Idee, die zu Beginn quasi eingesprochen wird dann auch umgesetzt wurde. Besonders beeindruckend fand ich die Luftaufnahmen, die das Geschehen aus größerer Entfernung im urbanen Kontext zeigen. Supercool.

Und natürlich muss hier auch dazugesagt sein, dass hier nicht einfach Leute angezündet wurden, sondern das “Make-Up” professionell begleitet und eingerichtet wurde. Am Ende des Films wird auch aus den Gründen (leider etwas klein und kurz) darauf hingewiesen, dass man das nicht einfach nachahmen soll. Und deshalb auch hier.

Update: Wer einen Vimeo Account hat, kann sich dort das Video auch als .mov herunterladen.

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29-07-2010, Ein Bild sagt mehr als 1000 Worte »»

In den letzten Tagen fällt es mir ausserordentlich schwer, meine Gedanken und Ideen für die Öffentlichkeit (in diesem Fall das Netz) in Worte zu fassen. Zweifel und eine gewisse Skepsis werfen Fragen auf wie: Interessiert das, was ich sagen möchte? Und noch viel wichtiger: ist das wirklich relevant, was ich zu sagen habe (1)?

Weiter hinterfrage ich grundsätzlich meine Art der Kommunikation im und mit dem Netz – und bin mir mehr denn je bewusst, dass ich einen ganz kleinen Teil von dem verstanden habe, was es beim Thema Fotografie noch zu entdecken gibt. Ich weiß, das ist normal und gehört dazu – “solche Phasen sind sogar wichtig” sagt mir mein Hirn.

Und während das Treiben im Netz so vor sich hingeht, fällt mir auf, dass ich immer stiller werde – und manchmal jedes Wort dreimal rumdrehe, bevor ich es in die Weiten des Webs stelle. Reden ist Silber, Schweigen ist Gold – so die Devise, die sich mir jeden Tag neu einhämmert und so ist es zeitweise recht still um den gern doch so aktiven Blogger und Twitterer.

Auf der anderen Seite der Medaille hat es mir selten so viel Spaß gemacht, zu fotografieren. Klappe halten und machen – so die zweite Devise, die mir immer wichtiger wird. Ich bin jeden Tag froh, fotografieren zu können, wirklich. Gerade in den letzten Wochen habe ich oft versucht, per Statusupdate etwas zu sagen und dann statt einem großartig formulierten Satz doch lieber ein Foto gemacht und gepostet.

So ist es etwas ganz anderes ein Bild wie dieses ins Netz zu stellen, als zu sagen: Ich sitze hier in der Landschaft und ruhe mich aus. Weiter habe ich hin und herüberlegt, wie ich mein Schockiertsein über die Opfer der Loveparade ausdrücken sollte. Stattdessen ein Foto gemacht – und gefühlt viel näher dran gewesen, an dem, was mir wichtig ist.

Und so schätze ich jede Möglicheit, ein Bild zu machen, um mich so auszudrücken, wie es mir am meisten Freude bereitet. Das festzuhalten, was vor mir - und mir allgemein – wichtig ist. Ob nebenher mit dem Handy, etwas geplanter mittels Polaroid, ausgiebig wie vorgestern in Wald und Feld (siehe Foto oben) oder gestern auf spontaner Foto-Tour mit Hannes durch die Stadt.

Ein Bild sagt mehr als 1000 Worte.

(1) Keine Sorge, mir geht?s ganz gut. Aber das wollte ich mal zu Buche führen. Ein signifikanter Teil dessen, ein Blog zu führen ist für mich, authentisch zu sein und niemandem etwas vorzumachen. Und das mit dem Schreiben, das wird wieder, da bin ich mir sicher.

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27-07-2010, Solargraphie ? Extreme Langzeitbelichtung »»

Dies ist ein Gastbeitrag von Stefan Michalski (Flickr). Er lebt und arbeitet als Biologe in Halle (Saale). Vor allem interessieren ihn Natur- und Landschaftsaufnahmen. Der ein oder andere Leser wird sich an seinen Gastartikel Through the viewfinder erinnern.

Die Möglichkeit, Momente in einem Bild festzuhalten, macht einen großen Teil der Faszination aus, welche von der Fotographie ausgeht. Der Moment der Aufnahme kann dabei den Bruchteil einer Sekunde umfassen, sich aber auch über Minuten und Stunden erstrecken. So lassen sich Dinge sichtbar machen, welche dem menschlichen Auge normalerweise verborgen bleiben: Die Details beim Zerplatzen eines Luftballons oder die kreisförmigen Bahnen des Sternenhimmels.

Seit einiger Zeit fasziniert mich ein Extrem der Langzeitbelichtung, übertrieben ausgedrückt: Das Einfangen halber Ewigkeiten, die Solargraphie. Bilder mit Belichtungszeiten von Tagen, Wochen und Monaten.

Was ist Solargraphie und wie macht man das?

Die Technik ist einfach und billiger als jede Digitalknipse. Eine Lochkamera, ein Gehäuse mit einem einfachen Loch statt eines Objektivs, wird mit Schwarzweißfotopapier beladen und los geht?s. Am Ort der Belichtung wird diese simple Art der Kamera fest installiert, der Verschluss geöffnet und dann braucht man nur noch Geduld, Geduld und? vor allem Geduld. Und ein bisschen Glück ist nötig, etwas Geschick, ein Scanner und etwas Bildbearbeitung.

Seit dem Beginn der Fotographie werden lichtempfindliche Materialien dem Licht ausgesetzt. Mehr oder minder komplexe Techniken lassen dann ein Bild entstehen. So wird Schwarzweißfotopapier nach der Belichtung normalerweise mit Entwickler und Fixierer behandelt, um das Bild dauerhaft sichtbar werden zu lassen. Bei längerer, intensiver Belichtung wird jedoch auf Fotopapier auch ohne Entwickler ein Negativ des Motivs sichtbar. Diese Eigenschaft nutzt die Solargraphie. Während der extrem langen Belichtungszeiten ?brennt? sich hier das Motiv direkt in das Fotopapier und ist damit später deutlich sichtbar, ohne weitere Schritte. Vor allem die Bewegung der Sonne hinterlässt dabei markante Spuren, welche für die Solargraphie so charakteristisch sind.

Diese Technik ist nicht neu und die Verwendung von Lochkameras um die Bewegung der Sonne abzubilden, lässt sich bis in 70er Jahre des letzen Jahrhunderts zurückverfolgen (Dominique Stroobant). Slawomir Decyk, Pawe? Kula und Diego Lopez Calvin führen diese Technik im Jahr 2000 zu einer Renaissance und belegen sie mit dem griffigen Schlagwort Solargraphie.

Die Bemühungen von Tarja Trygg und eine Popularisierung durch Flickr haben nun dazu geführt, dass ich in meiner Freizeit immer mehr Lochkameras baue. Mit fortlaufender Nummerierung versehen, verfolgen etliche meiner Kameras an den unterschiedlichsten Orten den Lauf der Sonne. Mittlerweile bin ich bei Nummer 84 angekommen und habe einige Erfahrungen gesammelt.

Ein Großteil meiner Lochkameras ist aus leeren Filmdosen gebastelt, billig, klein, unauffällig und vermutlich das Standardmodell in der Solargraphie. Sie lassen sich leicht mit Tape oder Kleber überall befestigen. Ein paar davon habe ich auf jedem Fototrip dabei. Andere Kameras mache ich aus Tee-, Keks- und Konservendosen, Bier- und Whiskydosen, wobei das innere mit matter schwarzer Farbe ausgesprüht wird, um interne Reflexionen zu vermeiden.

Die Löcher für die Kameras mache ich mit einer sehr spitzen Nadel in das Blech von Getränkedosen, welches passgenau über einem größeren Loch im Kameragehäuse befestigt wird. Dieses Blech ist dünn genug, um noch ein passables Loch zu bekommen und stabil genug, um nicht gleich bei geringster Einwirkung zu zerknittern. Da das Loch für die Bildqualität einer Lochkamera entscheidend ist, gebe ich mir hier viel Mühe und prüfe mit einer Lupe dessen Eigenschaften. Im Netz gibt es jede Menge Anleitungen und weitere Details, um Lochkameras zu bauen.

Nach der Belichtung ist die Solargraphie, ein fragiles Geschöpf. Das Bild ist in höchstem Maße lichtempfindlich und für die Nachwelt nur durch Scannen oder Abfotografieren zu erhalten. Die herkömmliche, chemische Fixierung führt bei Solargraphien zu einem Verlust an Details und Kontrasten und kommt daher nicht in Frage. Aber auch das Scannen zerstört die Solargraphie, so dass gleich der erste Versuch gelingen muss.

Etliche mehrmonatige Belichtungen habe ich so schon in den Sand gesetzt. Mittlerweile verzichte ich sogar auf einen Vorscan und scanne das Papier direkt mit hoher Auflösung und drücke die Daumen, dass alles gut geht. Obwohl also die Solargraphie aus Licht geboren wird, ist Licht auch gleichzeitig ihr Tod. Dieses Ungleichgewicht zwischen Dauer der Erzeugung und gleichzeitiger Unbeständigkeit macht die Solargraphie fast zu etwas Lebendigem.

Meine ersten Lochkameras habe ich mit glänzendem Schwarzweißfotopapier von Tetenal bestückt. Allerdings habe ich den Eindruck, dass mattes Ilford Multigrade IV-Papier wesentlich mehr Details in den dunklen Bereichen darstellen kann. Auch gefällt mir die Farbigkeit dieses Papiers etwas besser. Hier muss sicherlich jeder seine eigenen Erfahrungen machen. Was? Wie? Schwarzweißpapier mit Farbe? Ja, genau. Erstaunlicherweise sind viele Solargraphien bunt, manche schillern sogar in Regenbogenfarben. Wie genau die Farbe ins Bild kommt, ist mir nicht ganz klar, allerdings spielen Zufall und die Belichtungsbedingungen (z.B. Feuchtigkeit) sicherlich eine Rolle.

Meist werden auch in der Nachbearbeitung der Scans die Kontraste stark angehoben, was eine gesteigerte Farbsättigung mit sich bringt. Überhaupt kommt der Nachbearbeitung eine wichtige Rolle zu. Da das Motiv nur als Negativ sichtbar wird, muss das Bild invertiert werden, um unseren Sehgewohnheiten zu entsprechen.
Meist sind die Sonnenbahnen sehr prominent, aber andere Details nur schwach sichtbar. Selektive Tonwertkorrekturen und Farbanpassungen sind daher immer auch Teil meiner fertigen Solargraphien.

Besonders kontrastreiche Kompositionen lassen sich gut mit dieser Technik abbilden. Stark reflektierende Häuserwände, Landschaften im Schnee oder spiegelnde Wasserflächen sind ideale Motive. Um die vollständige Ekliptik, den Lauf der Sonne über den Himmel, abzubilden, ist eine 6-monatige Belichtungszeit nötig. Am 21. Juni steht die Sonne am höchsten Punkt, am 21. Dezember am niedrigsten Punkt des Himmels. Diese beiden Daten sind daher fest eingeplant für Ernte und Neuinstallation meiner Kameras. Beim Ausbringen der Lochkameras sollte die Neugier unserer Mitmenschen nicht unterschätzt werden.

Etwa ein Drittel meiner Kameras verschwindet während der Belichtungszeit. Wenn ich Glück habe, finde ich sie noch in unmittelbarer Umgebung und die Anzahl der Sonnenbahnen lässt erahnen, wann sich jemand dafür interessiert hat?

Aber auch von unerwarteter Seite droht den Sonnenbeobachtern Gefahr: Das Blech für die Löcher meiner ersten Kameras leuchtete prominent zwischen schwarzem Tape hervor, offenbar eine unwiderstehliche Verlockung für Vögel, welche dann neugierig auf dem Loch herumhackten? Die Resultate waren allenfalls abstrakt zu nennen. Jetzt achte ich darauf, dass das Loch nicht mehr allzu sehr ins Vogelauge springt und male das Blech einfach schwarz.

Die Ergebnisse der Belichtung sind kaum vorhersagbar, Überraschung ist immer garantiert. Ist die Kamera noch da? Ist was auf dem Papier zu sehen? Ist das Motiv getroffen? Wie viele Details sind sichtbar? Welche Farbe hat das Bild?
Von den fertigen Bildern geht etwas Geheimnisvolles aus. Und immer wieder versuche ich dieses Etwas zu fassen, ohne es recht zu verstehen. Solargraphien erschaffen unsere Umgebung in ungewohnter Weise neu. Der Lauf der Zeit wird komprimiert, das Flüchtige, Kurzlebige ist nicht von Bestand für diesen Blick.

Das Blattwerk der Bäume wird zu einer nebligen Masse, pflanzliches Werden und Vergehen wird zu Unschärfe zusammengefasst. Was bleibt ist das Beständiges, sind die langlebigen Spuren, Gebäude, Strassen, ?aumskelette, das Gerüst der Wirklichkeit. Über allem geht unbeirrt die Sonne und nur das Wetter prägt sich durch Unterbrechungen in ihre Bahnen und bindet damit jede Solargraphie an Ort und Zeit ihrer Entstehung.

Links (ohne Anspruch auf Vollständigkeit):

www.solargraphy.com

www.flickr.com/groups/solargraphy

http://free.art.pl/solaris/solaris/Solaris.html

http://www.pinholephotography.org

http://solarigrafia.blogspot.com

http://www.mariinda.net/solarigrafia.htm

http://www.galeriaff.infocentrum.com/2005/decyk/decyk_a.htm

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26-07-2010, Hier & jetzt. »»

25-07-2010, browserFruits: Das FotoSpecial am Sonntag »»

Wie? Was? Huch! Schon wieder eine Woche rum! Ich werde älter. Oder habe einfach genügend zu tun. Jedenfalls erwartet uns in dieser Ausgabe der Foto-Früchte ein tatsächlich bunter Obstsalat:

Garniert mit dem neuen Projekt von Johannes Heuckeroth geht es gleich himmlisch los und über so manch einfallsreiches Bild im Foto Special wird die Sache noch etwas gesüsst. Thematisch ist die Sache bunt wie immer, APOD blitzt mal kurz dazwischen, und dann wird die Geschichte von einer schönen Sauerei abgeschlossen.

In diesem Sinne: Guten Appetit!

Foto Special

Fotografie deutschsprachig

# Johannes Heuckeroth hat ein neues Projekt an den Start gebracht und es hat etwas mit der Schönheit des Himmels zu tun: ilovethesky.com – Schauts Euch mal an, einen Twitteraccount passend dazu gibt?s übrirgens auch (via).

# Die verwischte Wanderung von Martin Hülle (und explizit die Fotos davon) gefällt mir ausserordentlich gut. Mehr davon!

# Besim stellt drüben bei Lens-Flare.de den Lensbaby Composer vor – und zwar mit wenigen Worten, dafür aber mit einigen sehenswerten Fotos. Cool.

# Ich habe mal in Andreas Levers’ Archiv herumgekruschdelt und bin dabei auf dieses sehr schicke Video gestossen, in dem Andreas in Photoshop einen Vintage Look erstellt. Sehenswert!

# Stefan Groenveld hat bei sich auf dem Blog den Wassersack von Walimex vorgestellt und gleich ein paar Tipps zum Fotografieren unter Wasser damit angefügt.

# Gefällt mir ausgezeichnet: Die architecture II – Fotoreihe bei spreephoto.de – Toll, wie hier mit Formen und Licht gearbeitet wurde.

Fotografie international

# Auch wenn es sicherlich keine vollständige Liste ist, kann es förderlich sein, die Fragen für sich zu beantworten, die Marc Silber hier aufwirft.

# Ein schlichter Artikel über den Nutzen von “nichts” in der Bildgestaltung gibt es drüben bei Scott Bourne. Gefällt mir gut.

# “Getrübtes Glück” würde ich diese Aufnahme von Daniel Shea auf Flakphoto nennen.

# Schon gewusst, wie in sehr kurzer Zeit eine 5D Mk2 hinüber ist? So. Beispielvideos sind dem Ganzen angefügt. Ebenso interessant ist die Diskussion in den Kommentaren zu diesem Thema.

# Jake Garn trifft in seinem Artikel Inspiration vs. Mimicking den Nagel auf den Kopf (meiner Meinung nach). Dabei geht er auf das Thema Nachahmung ein und ich finde, er behandelt das Thema sehr gut.

# Das APOD (Astronomy Picture Of The Day) von 20. Juli ist… wahrlich erleuchtend. Habe in meiner bisherigen Zeit auf Erden selten so ein spektakuläres Foto mit (insgesamt 42) Blitzen zu Gesicht bekommen.

# Ich hätte es nicht gedacht, aber das sind wirklich ein paar gute Beispiele dabei, bei den 35 Schattenfotos.

# Ob ein Titel wie dieser sein Versprechen halten kann?

# Wunderbar sind sie, die neuen Paarfotos drüben bei Sean Flanigan. Ist aber auch ein hübsches Päärchen, oder?

# So hat der ht82 es auf Twitter beschrieben: Coole Fotoserie mit einem sehr coolen Model. Und er behält recht.

# Okay, ich gebs zu: Mir fehlt er ganz schön, der Winter. Und da ist so ein Foto wie bei Mute natürlich großartig.

# Was für ein “herrliches” Foto das Portrait mit Hund auf Glenn Campbells Portfolio doch ist. Zwei mal hinschauen.

# Nicht zu fassen, was Facebook und Walmart da an den Start gebracht haben.

# Sauerei. Aber eine Schöne.

Videos

# Ende der Woche ging dieses Video durchs Netz, ein supertolles Stopmotion von nem Typ, der quer durch America gelaufen ist.

# Und noch so ein schnelles Video, diesmal aber mit Polaroids. 4600 an der Zahl. Verrückt.

Ten Years and One Day –every day — on Polaroid from Marc Tasman on Vimeo.

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24-07-2010, ?Nicht zu früh aufgeben? ? Peter Wafzig im Gespräch »»

Peter Wafzig {Twitter} ist einer der Fotografen, die ich um ihr Portfolio nicht nur bewundere, sondern offen gestanden beneide. Dieser Herr hat so einige Bands vor die Linse bekommen, die mir selbst gefallen und hat diese auch noch eindrücklich mit der Kamera festgehalten. Und ihr wisst ja – wenn ich die Möglichkeit habe, dann lade ich Persönlichkeiten wie Peter gerne zum Interview ein, um ihnen Löcher in den Bauch zu fragen und das Ganze zu dokumentieren.

Hey Peter. Schön, dass Du mir zugesagt hast zum Interview. Stell Dich doch mal in ein paar Sätzen den Lesern vor.

Mein Name ist Peter Wafzig. Ich wohne in Köln und fotografiere mit Unterbrechungen seit über 20 Jahren Konzerte. Meine Bilder erscheinen in einigen Musikmagazinen und Zeitungen, außerdem fotografiere ich für Getty Images. Neben der Konzertfotografie mache ich auch ab und zu Ausflüge in den Bereich Sport und fotografiere für den einen oder anderen Kunden aus der Region hier.

Nine Inch Nails

20 Jahre – das ist eine lange Zeit, Peter. Warum Konzerte? Was hat Dich damals – und vieleicht auch heute noch – motiviert, Menschen beim Musikmachen zu fotografieren?

Das mit den Konzerten war der reine Zufall. Ganz am Anfang habe ich für die Jugendseite des Badischen Tagblatts fotografiert. Die erschien aber nur einmal pro Woche und irgendwas wollte ich während der restlichen Zeit machen. Schließlich hatte ich vier Wochen der Sommerferien damit verbracht, beim örtlichen Eisenwarenhändler das Geld für meine erste eigene Spiegelreflex zusammenzuackern. Und die wollte ich dann natürlich nicht nur im Regal stehen lassen. Meine Heimatstadt Rastatt ist nicht besonders groß, da boten sich die Konzerte in der örtlichen Stadthalle als Motiv an.

Damals gastierten dort jede Menge regionale Bands, aber auch bekanntere Künstler wie Ray Charles. Den konnte man ganz entspannt aus der ersten Reihe nach Belieben fotografieren. Die Kombination aus wirklich schwierigen Lichtverhältnissen und den außergewöhnlichen Motiven ist bis heute das, was mich an der Konzertfotografie begeistert. Da ist auch ein bisschen sportlicher Ehrgeiz dabei: Egal wie schlecht die Lichtverhältnisse sind – ich will ein Bild bekommen, das sich veröffentlichen lässt.

Them Crooked Vultures

Und das braucht mit Sicherheit einiges an Geduld und Erfahrung. Du hast also die Leidenschaft zum Beruf gemacht, Peter – wie war der Weg dorthin? Sicherlich kein Kinderspiel…

Ja und nein. Es dreht sich vieles um die Akkreditierungen, die man braucht um fotografieren zu dürfen. Wenn man eine Redaktion im Hintergrund hat, die problemlos akkreditiert wird, kann man sich seine Termine quasi nach Belieben aussuchen. Bei mir lag die Sache leider etwas anders. Während meiner Ausbildung habe ich für laut.de fotografiert – und Onlinemedien sind leider nicht besonders wohl gelitten wenn es um Akkreditierungen geht. Da bestehen uralte, völlig sinnlose Vorurteile – bei Online denken viele in der Musikbranche noch an illegale Musikdownloads und Piraterie. Onlinemedien werden oft auch als die schlechteren Journalisten hingestellt – was natürlich völlig haltlos ist.

Kurzum, wer nur für online fotografiert, wird oft nicht berücksichtigt. Deshalb ging es am Anfang nur sehr langsam voran. Man muss sich an das schlechte Licht gewöhnen, an die Hitze, den Lärm und das Gedrängel im Bühnengraben. Und dabei noch Fotos machen. Das geht halt nur über Geduld, vor allem wenn man pro Konzert gerade mal eine Viertelstunde Zeit hat. Aber irgendwann verselbständigt sich alles. Man macht gute Kontakte zu den Veranstaltern, findet weitere Redaktionen, kommt mit der Ausrüstung besser zurecht und findet die Tricks, mit denen man unter den Bedingungen zu guten Fotos kommt.

Das spiegelt sich dann auch in der Anzahl der Konzerte wieder, die man pro Jahr fotografiert: Am Anfang waren das vielleicht zehn oder zwanzig, heute sind es pro Jahr zwischen 150 und 200 Konzerte. Da platzt irgendwann einfach der Knoten – wie beim Fahrradfahren. Man darf eben nur nicht zu früh aufgeben.

Da ich das Ganze zwar professionell betreibe aber meinen eigentlichen Beruf nicht aufgegeben habe, kann ich mir natürlich leisten auch mal was nicht zu machen, wenn ich zum Beispiel ein Problem mit den Bedingungen des Managements habe. Das ist mein ganz persönlicher Luxus bei der Sache und darüber konnte ich einige Dinge auch abkürzen, zum Beispiel beim Material. Da waren dann auch mal Anschaffungen drin, die unter rein wirtschaftlichen Gesichtspunkten erst viel später möglich gewesen wären.

Social Distortion

… und dennoch: Hut ab, dass Du diesen Weg konsequent gegangen bist. Peter, mal eine Sache: Nicht jeder weiß, was eine Akkreditierung ist… Magst Du kurz erklären, um was es sich da genau handelt – und wie die Umstände diesbezüglich im Deinem Arbeitsleben sind?

Eine Akkreditierung ist die Erlaubnis, auf einem Konzert zu fotografieren. Man erhält einen Fotopass, mit dem man im Normalfall die ersten drei Lieder aus dem Bühnengraben fotografieren darf. Grundsätzlich entscheidet der Veranstalter oder das Management, wer akkreditiert wird oder nicht. Bei Konzerten ist es mit der grundgesetzlich garantierten Pressefreiheit leider nicht besonders weit her, weil die Konzerte meist auf privatem Grund stattfinden und deshalb nicht als öffentliche Veranstaltung gelten.

Da können die Veranstalter nach Belieben akkreditieren – oder eben auch nicht. Wenn man also für eine wichtige Redaktion fotografiert, hat man gute Chancen an eine Akkreditierung zu kommen. Wobei wichtig immer aus Sicht des Veranstalters zu sehen ist. Die suchen sich meistens ein paar Redaktionen zusammen, mit denen sie gemeinsam das Konzert präsentieren. Die Redaktionen trommeln also für die Veranstalter und im Gegenzug gibt es Tickets für das Konzert und natürlich auch Akkreditierungen. Das ist eigentlich ein Unding, weil das keine freie Berichterstattung mehr ist. Aber so läuft das nun mal und deshalb hat man mehr Erfolg bei den Akkreditierungen, wenn man von den richtigen Redaktionen beauftragt wird.

Um die Akkreditierungen muss man sich übrigens auch selbst kümmern, wenn man als freier Bildjournalist unterwegs ist. Das heißt: Beim Veranstalter anrufen, E-Mails oder Faxe schicken, wieder anrufen, nachhaken – das kostet oft viel mehr Zeit als das eigentliche Konzert.

Green Day

… und garantiert auch Nerven. Das heißt, dass auf bestimmten Konzerte nur bestimmte Leute fotografieren dürfen. Wie hast Du es geschafft, an die großen Konzerte zu kommen? Wie wichtig – bzw. notwendig ist da Vitamin B und wie bedeutsam das eigene Portfolio?

Im Prinzip muss man sich eben von unten nach oben vorarbeiten. Beste Voraussetzung für die Akkreditierung bei einem großen Konzert ist eine regionale oder überregionale Tageszeitung. Die sind eigentlich immer dabei, wenn etwas großes stattfindet. Leider haben diese Zeitungen oft entweder eigene Fotografen oder beziehen ihre Bilder von Agenturen. Unter dem derzeitigen Kostendruck bedeutet das: Zunächst wird geschaut, ob ein Agenturbild verfügbar ist.

Meistens ist es so, dass beim Tourstart auch die Agenturen akkreditiert werden und diese Bilder sich dann während der ganzen Tour in den meisten Tageszeitungen wiederfinden. Leider scheint es den meisten Redaktionen egal zu sein, ob sie einen Konzertbericht aus Köln mit einem Bild aus München, Hamburg oder Berlin bebildern. Wenn keine Agenturfotos verfügbar sind, wird einer der eigenen Fotografen hingeschickt. Und nur wenn die keine Zeit haben, kommen die freien Fotografen an die Reihe. Mit Vitamin B hat das also schon wegen des Kostendrucks nichts zu tun.

Für das eigene Portfolio sind große Namen natürlich nicht schlecht – ich glaube aber nicht, dass sie wirklich notwendig sind. Ich gehe inzwischen auch lieber wieder öfter mal in kleine Clubs, weil das einfach ehrlichere Musik ist. Bei den großen Bands ist alles bis ins Detail durchchoreografiert – wie viel echte Leidenschaft kann da also noch drinstecken? Das sind optimierte Shows, die nur auf eines zielen: Geld verdienen. Die Künstler verdienen inzwischen mit einer Tournee deutlich besser als mit Plattenverkäufen, und da wird selbstverständlich nichts dem Zufall überlassen. Das sieht man dann auch auf den Bildern: Die gleichen sich alle in weiten Teilen, egal wo sie gemacht wurden oder wer sie gemacht hat.

Ich war vor ein paar Tagen mal wieder seit ewigen Zeiten im Kölner Underground, um eine ziemlich unbekannte Band zu fotografieren: Die Bilder haben mich aber deutlich mehr zufriedengestellt als die der vorherigen Konzerte. Ich kann nur jedem raten, nicht immer auf die großen Namen zu schielen. Gute Bilder gibt es vor allen Dingen in den kleinen Schuppen.

Wolfmother

Du bist ja jemand, der auf seinem Blog schon lange klar und deutlich auf hiesige Missstände in der Branche hinweisst. Hattest Du dadurch schon Erfolgserlebnisse? Gab es Fälle, in denen sich eine Sachlage dadurch geändert hat?

Nicht, dass ich wüsste. Selbst wirklich auffällige Aktionen wie die der Hamburger Kollegen mit ihrem Boykott des Rammstein-Konzerts zeigen kaum Wirkung. Das geht durch ein paar Blogs, vielleicht druckt die eine oder andere Redaktion ein Statement, aber das war es dann auch schon. Ach ja, und der DJV bringt eine seiner berühmten Pressemitteilungen in denen ganz sicher das Wort “Knebelvertrag” vorkommt und ruft dazu auf, die Berichterstattung einzustellen.

Dabei wird aber etwas ganz wichtiges vergessen: Kaum einer der freien Bildjournalisten kann sich das leisten. Wir erhalten Honorare im Bereich von 20 bis 30 EUR – da muss man eine Menge Bilder verkaufen, um wirtschaftlich zu sein. Deshalb kann es sich eigentlich niemand leisten, auch nur ein Konzert ausfallen zu lassen. Ich selbst hatte ja schon das zweifelhafte Erlebnis bei Silbermond, als ich wieder ausgeladen wurde weil dem Manager die Berichterstattung meines Auftraggebers nicht gefiel. Das habe ich in meinem Blog dokumentiert, ein paar Zeitungen riefen an und wollten mehr wissen – im Endeffekt haben aber auch die folgenden Berichte keinerlei dauerhafte Wirkung gezeigt.

So lange die Veranstalter sich auf das Hausrecht berufen können und die Pressefreiheit nicht auch bei Konzerten greift, wird sich daran nichts ändern. Im Gegenteil: wer zu viel stänkert muss damit rechnen nicht mehr akkreditiert zu werden.

Element Of Crime

Peter, als einer, der schon lange im diesem Bereich tätig ist: Wie siehst Du die Zukunft der Konzertfotografie? Wo siehst Du für ambitionierte Fotografen die größten Chancen – und auch Schwierigkeiten?

Es wird wahrscheinlich noch schwieriger werden, als es ohnehin schon ist. Ein wesentlicher Faktor ist die Qualität: Wer innerhalb einer Viertelstunde zehn bis zwanzig verwertbare Bilder liefern kann, wird sich auch in Zukunft keine Sorgen machen müssen. Für gutes Material wird es immer einen Markt geben. Man braucht halt nur einen langen Atem, um da hinein zu kommen. Die besten Chancen für Neueinsteiger sehe ich tatsächlich im Bereich kleiner Konzerte und Newcomerbands. Je mehr hyperlokale Angebote im Netz entstehen, desto mehr Nachfrage wird es nach gutem Bildmaterial geben.

Reich wird man damit nicht werden, aber für einen kleinen Nebenverdienst kann es langen. Im Bereich der größeren Konzerte wird es eher enger werden. Da kann man hoffen, irgendwann mal nachzurücken oder eine Liga höher aufzusteigen. So lange aber der Kostendruck im Printbereich dermaßen hoch ist, wird man die Redakteur zwar vielleicht mit den eigenen Bildern überzeugen können – sie werden dennoch nicht das Geld haben, sie einzukaufen.

Dringend warnen möchte ich vor der Idee, das eigene Material unte Preis oder gar kostenlos zu verschleudern. Es gibt kein Geschäftsmodell, das auf der kostenlosen Weitergabe von Leistungen basiert.

Japandroids

Du hast ja jetzt schon viele Bands fotografiert und da waren sicher auch ein paar persönliche Favoriten dabei. Welche waren das? Und: Ist es häufig so, dass eine Band, bei der Dir die Musik gefällt auch dann (inclusive Prozedere davor und danach) auch weitestgehend angenehm zu fotografieren ist?

Eigentlich muss man den eigenen Musikgeschmack und die Konzerte, die man fotografiert, trennen. Erstens höre ich während der Zeit im Bühnengraben sowieso nichts, da muss ich mich aufs Fotografieren konzentrieren und kann hinterher beim besten Willen nicht sagen, was da gespielt wurde. Und zweitens ist es sehr oft so, dass die Optik mit der Akustik gar nichts zu tun hat. Ein wahnsinnig emotionales Bild kann zum Beispiel in der Pause zwischen zwei Strophen entstehen.

Und natürlich kann es sein, dass ich mit der Musik einer Band rein gar nichts anfangen kann, aber ihre Performance auf der Bühne ein absolutes Highlight ist. Bestes Beispiel: Rammstein. Ist musikalisch gar nicht mein Ding, aber für meinen fotografischen Geschmack eine der besten Shows, die man für Geld bekommen kann. Und oft habe ich große Hoffnung bei Bands, die ich selbst toll finde und werde dann maßlos enttäuscht, weil die Band sich völlig statisch verhält und man außer ein paar 0815-Portraits gar nichts mitnehmen kann.

Meine persönlichen Hightlights, bei denen Musikgeschmack und Bildergebnisse positiv zusammenfallen sind ganz sicher Green Day und Muse. Beide Bands bringen es einfach auf den Punkt. Von den kleineren Indie-Dingern kann ich auf jeden Fall Art Brut empfehlen, die hinterlassen auch kein trockenes Auge bei ihren Auftritten.

Also Peter, dann bedanke ich mich mal bei Dir für Deine Zeit! Abschließend noch eine Frage: Unabhängig von der Fotografie – was läuft bei Dir privat grade hoch und runter?

Die neue von Ratatat, Muse natürlich und ein bisschen Sebastien Tellier. Das war einfach ;)

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23-07-2010, 4 1/2 Minuten Fotografie »»

21-07-2010, Mutter Fotografie, Tochter CGI und Freunde der Familie »»

Marius Schwiegk {Twitter} ist seit 15 Jahren Retuscheur. Unter anderem für Kunden wie Mercedes, Audi, Lamborghini, Telekom, Sparkasse, Coca-Cola oder Universal. Nach sieben Jahren bei der ehemaligen Kreativagentur Springer & Jacoby, sowie Philipp und Keuntje, arbeitet er derzeit bei Jung von Matt. In diesem Gastartikel setzt er sich mit dem Thema Fotografie und dem Wandel unter dem Einfluss von CGI in Werbeagenturen auseinander.

Als ich Anfang/Mitte der 90er beruflich mit Photoshop in Berührung kam und mich näher mit Fotografie vor allem in der Werbung beschäftigte, war es schon mehr als 5 Jahre her, dass der damalige Freund meiner Schwester, ein Pionier in Sachen Multimedia, Mac und Informatik an einem Sonnabend noch einmal in die Uni fuhr, um die Berechnung einer Chromkugel über einem Schachbrettmuster zu überwachen, damit sie Montag hoffentlich fertig werden würde.

Damals dachte ich, dieser Typ hat zu viel Tagesfreizeit und “warum dauert die Berechnung eines solchen uncoolen Bildes drei Tage?”. Dieses war die erste und sollte vorerst die letzte Begegnung Ende der 80er mit dieser Art der technischen Bildumsetzung sein.

Nach meiner Ausbildung rumorte es wieder aus der 3D Ecke. Es gab da tolle neue Programme, die Rechner sind viel schneller geworden und günstiger und und und…

Ich war Retuscheuer in der BLIND, einer Spezialabteilung von Springer&Jacoby für kreative Bildbearbeitung, was im Grunde nur bedeutete, dass einem die Kreativen bei der Ausarbeitung nicht mehr von der Pelle rückten – aber man lernte unheimlich viel! Ein Kollege war damals sehr vertraut mit der ganzen 3D Thematik, damals hiess es noch 3D, nicht CGI. Er gab uns auch Unterricht darin, aber mir war das alles zu kompliziert, zu umständlich und so richtig überzeugend sahen die Ergebnisse auch nicht aus.

Dann kam der Wandel zur digitale Fotografie und aufgrund dieser Neuerung und der Möglichkeiten, die sich jetzt boten, waren (das ist meine Theorie) alle erst einmal mit diesem Wandel beschäftigt – Fotografen mussten das Equipment umstellen, Agenturen und die Kreativen mussten umdenken und wir Retuscheure bekamen nicht mehr nur einen Leitz-Ordner voll mit Mittelformatdias, sondern Riesenfestplatten mit hunderten von Fotos, Belichtungsreihen und Testläufen.

Ich glaube dies war dann auch die Geburtsstunde des Satzes, der auf jedem Shooting kurz vor Ende fällt: “Ach komm, den Rest machen wir in der Post” – Genau, den Rest machen die blassen Bildfreaks mit den grossen Augen in den dunklen Räumen der Reprobuden. Andererseits festigte diese Einstellung unsere Jobs natürlich ungemein!

Nach dem endgültigen Wechsel zur digitalen Fotografie konnte man sich also endlich wieder dem Thema 3D zuwenden, nun hiess es bei den coolen Leuten auch CGI und die noch cooleren sagen CG.

Programme wie Maja geisterten durch die Flure der Agenturen und dass die Hollywoodfilme damit gemacht werden, alles irre kompliziert. Dann gabt es da noch “Cinema 4d” oder “3ds max”, die ersten gerenderten Bilder wurden in der Werbung eingesetzt – zuerst im Film, später in der Literatur, also für Katalogbilder oder Handbücher und dann auch mal für eine Anzeige.

Die ersten gedruckten Sachen habe ich ungefähr 2003/2004 gesehen, oder besser ich habe sie erkannt, denn mit realistischer Fotografie hatten die ersten Sachen im Detail auch noch nicht viel zu tun. Aber nun hiess es jedes Jahr vehementer: CGI steht SO kurz vor dem Durchbruch, die Rechenleistung muss nur noch nachziehen, danach geht alles von alleine, wir werden alle sterben – ich machte mir Sorgen um meinen Job…

Nun, im Jahre 2010, ziemlich genau 20 Jahre nach der 3-Tage-Chromkugel und 10 Jahre nach meinem ersten 3D-Unterricht, bearbeite ich nun auch gerenderte Bilder. Alles, was man früher versucht hatte zu glätten, zu reinigen und zu perfektionieren, kommt nun wie geleckt aus den Tiefen irgendwelcher Rendernodes – mit perfekten Masken, sauberen Verläufen und rechnerisch 100%ig richtigen Perspektiven. Also wird nun in der Post alles wieder zurückgedreht, die Korrektur “nicht so artifiziell” erlebt eine Renaissance.

Und um meinen Job mache ich mir keinerlei Sorgen mehr – der Aufwand ist doch immens und mal den Wagen um 3° drehen, ist eben doch nicht so einfach, wie von Kunden gerne angenommen, denn die ganzen Lichteinstellungen und Segel, die in der Szene positioniert wurden, passen nun auch nicht mehr. Zudem verleiten diese perfekten Bilder regelrecht dazu, in der Retusche noch echter gemacht zu werden, hier wird gefeilt, dort wird gemalt.

Und das, obwohl die gerenderten Rohergebnisse logischerweise schon bedeutend besser und perfekter sind, als ein Rohcomposing von 18 einzeln fotografierten Belichtungen eines Fahrzeugs.

Allerdings wird nun mittlerweile eine ganz klare Kosten-Nutzen-Rechnung erstellt: Wieviele Fahrzeuge haben wir pro Bild, ist es günstiger einen Erlkönig durch die halbe Welt zu fliegen, gibt es eventuell verschiedene Varianten des Fahrzeugs, ist die Location überhaupt irgendwo auf der Welt auffindbar etc. So werden viele Kampagnen nach wie vor konventionell gelöst, auch weil für alle Beteiligten dieser Weg der bekanntere ist, es ist hierbei selten mit Überraschungen zu rechnen, man kann sehr genau kalkulieren und weiss was auf einen zukommt.

Aber das wird sich ändern – die Kreation wird nach und nach ihre Scheu ablegen, die Rechengeschwindigkeit wird zunehmen und dadurch die Kosten für CGI sinken und die Prozesse zwischen CGI Director und Retuscheur werden ausgefeilter, denn wir lernen derzeit mit jedem Job unheimlich dazu und können so die Abläufe schlanker gestalten und schneller zu einem besseren Ergebnis kommen.

Zudem hat man eben die ganze Szenerie des Shootings in der Kiste, man hat quasi das Shooting eingefroren – der Wagen steht da noch, die Umgebung ist genauso, wie man sie verlassen hat, die Kamera ist einzementiert und die Beleuchtung bombenfest auf den Stativen, sogar der Fotoassi mit dem Segel in der tauben Hand steht noch dort – kurz: alles ist da, alles kann erneut zum Leben erweckt werden, direkt drei Meter neben mir. Vor allem aber werden die Grenzen verschwimmen – mittlerweile kann man zwischen gerenderten und fotografierten Fahrzeugen keine Unterschiede mehr feststellen – zumindest, wenn sie gut retuschiert wurden.

Sättigung

Aber was wird nun aus der Fotografie?

Brauchen wir in Zukunft noch diesen Aufwand, ein ganzes Team von Kreativen, Fotografen, Retuscheuren, Kunden und Assistenten durch die Welt zu schicken, oder werden die Bilder allein aus dem Rechner entstehen und die Sphären und Umgebungen bei Bildagenturen eingekauft?

Ich denke, dass diese Frage in erster Linie vom Verhalten der Fotografen selbst beantwortet werden wird – machen sie mit oder verweigern sie sich der neuen Technik, verteufeln sie sogar, weil sie ihnen scheinbar die Jobs wegnimmt? Viele grossartige Werbe- oder speziell Produktfotografen stehen dieser neuen Technik sehr aufgeschlossen gegenüber. Einige haben sich CGI-Leute in ihre Studios geholt und perfektionieren gemeinsam die Bilder.

Denn einen Vorteil hat ein guter Fotograf nun mal und das ist unbestreitbar sein Auge und seine Erfahrung aus vielen konventionellen Shootings. Die Fähigkeit, Licht zu lesen obliegt nun einmal zum sehr grossen Teil dem Fotografen und (noch) nicht den meist aus technischem Bereich kommenden CGI Operatoren.

Der Fotograf muss die 3D Technik als Freund, als Hilfsmittel sehen, um die Bilder durch sein Können weiterzutreiben, als er es allein mit der Fotografie könnte. Bisher ist dieses primär in der Produktfotografie möglich, aber Programme, die perfekte Haare erstellen können oder Haut in allen Nuancen beschreiben, stehen schon in den Startlöchern – noch mit Kinderschuhen, aber auch diese werden wachsen, auch wenn es vielleicht nochmal 10 Jahre braucht.

Der Fotograf kann diese Techniken dann nutzen, um seine Bilder noch besser zu machen, Teile hinzuzufügen oder so zu komponieren, wie es früher nicht möglich war. Sicherlich gilt dies vorrangig fuer die Werbefotografie. Hochzeit- oder Landschaftsfotografen werden sich, wenn überhaupt erst sehr viel mit dieser Materie auseinandersetzen muessen!

Meiner Meinung nach entstehen derzeit die besten Bilder durch die Symbiose von Spezialisten der vier Disziplinen: Fotografie, CGI, Kreation und Retusche. Wenn diese vier Bereiche noch enger zusammenarbeiten, kann man dem Ziel eines mitreissenden (Werbe-)Bildes noch ein Stückchen näher kommen.

Sättigung

Vielleicht wird bei einem Projekt der Fotograf nur die Umgebung liefern, dafür wird bei nem anderen nur das Hochhaus im Hintergrund gerendert sein. Wichtig ist nur, dass alle von einander zu lernen bereit sind und sich nicht in Konkurrenz zu einander sehen, denn nur gemeinsam werden wir weiterhin grossartige Bildwelten schaffen, die den Betrachter berühren. Es wird sich lohnen.

Wie schon erwähnt ist dies nur die Meinung eines kleinen Retuscheurs, der allerdings seit zig Jahren mit offenen Augen durch die Agenturen geschlendert ist. Nichtsdestotrotz bin ich mir bewusst, ein kontroverses Thema angeschnitten zu haben und stehe deshalb gern per Mail oder Kommentar zur weiteren Diskussion zur Verfügung!

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20-07-2010, Varieté am Dienstag: Die Auswahl »»

Varieté (…) ist eine Bühne mit bunt wechselndem, unterhaltendem Programm für artistische, tänzerische, akrobatische und musikalische Vorstellung. Ein Varietéprogramm besteht aus einer kleineren oder größeren Anzahl von Darbietungen, die für die gemeinsame Veranstaltung mosaikartig zusammengesetzt werden, wobei jede für sich eine künstlerisch geschlossene Einheit mit Anfang und Ende bildet.

Prolog

Nun ist sie da, die kleine Auswahl, die ich gestern versprochen hatte, zu treffen. Und ich kann Euch sagen: Ich hatte die Qual der Wahl. Und dabei sind so viele wirklich gute Aufnahmen im gestrigen Exposé – wer sich einmal durchgeklickt hat, kann das sicher bestätigen.

Für mich war es eine wunderbare Abwechslung, mal kurz reinzuspicken und zu sehen, was Euer aktuellstes Foto ist. Und ich wurde – wie ihr nun gleich sehen könnt nicht enttäuscht. Viel eher wurde ich überrascht und hätte niemals gedacht, dass so viele Leute sich am Exposé beteiligen. Bevor ich ich nun die Fotos präsentiere noch ein – mir sehr wichtiger…

Zusatz

Ich habe mit wenigen Worten versucht, das zu benennen, was mir an den Bildern gefällt. Und das ist in diesem Varieté wirklich einiges. Wie immer ist es mir aber wichtig, zu betonen, dass meine Anmerkungen rein subjektiver Natur sind – jemand anderem werden mit Sicherheit andere Dinge auffallen. Und schließlich bin ich kein Fachmann der Künste oder Experte für die aufgeführten Genres.

Und jetzt mal Ernst beiseite: Ich bin wirklich sehr stolz auf dieses Varieté der Fotografie. Dieses entfaltet seine Wirkung evtl. besonders dann, wenn ihr einfach Kopfhörer aufsetzt, Eure Lieblingsmusik einschaltet und die folgenden Bilder genießt.

Ohne Titel von Oryx

Die einfache Bildkomposition und blau-grünen Farbtöne haben mir hier gut gefallen. Der Schatten, der auf das Gebäude fällt, stört mich persönlich überhaupt nicht, sondern führt noch eine weitere Linie ein, die mir sehr zusagt.

Between Heaven and Earth von Harpagornis

Wunderbare Startrailaufnahme, bei mir die drei geschlängelten Linien oben sofort sympatisch waren. Der helle Vordergrund macht das Bild zusätzlich interessant zeigt interessante Details und Farben. Mein Blick versingt aber unweigerlich “im Sog” der Sterne.

Ohne Titel von photopalooza

Wundbar “weiche” Aufnahme, die die Zartheit der Blume meiner Meinung nach sehr gut widerspiegelt. Die Vielfalt der Farben ist hier der Bildwirkung zuträglich und ich finde das Blau im Hintergrund ist eine passende Abwechslung zum grün. Schön lebending!

Paul-Löbe-Haus Berlin von Jack Bloom

Klare Linien und zwei hervorstechende Farben – die Silhuetten im Vordergrund und die Innenbeleuchtung des Gebäudes passen meiner Meinung nach sehr gut zusammen. Weiter gefällt mir das Format gut, das hier gewählt wurde.

Grenzland von Herr Becker

Trist und melancholisch kommt dieses Foto daher und gefällt mir persönlich gerade deshalb. Mit dem schwarzen Rahmen wirkt es insgesamt dennoch kräftig. Toll!

Ohne Titel von Maximilian Zimmermann

Supergut. Die Formen in diesem Bild gepaart mit dem Sonnenuntergang im Hintergrund, da ist Bewegung drin! Ich sehe die ganze Zeit, wie der junge Herr, den Ball wegkickt ;)

Spielwarenladen von schleudergefahr

Bunt und abwechslungsreich – und gerade deshalb so spannend. Für mich gibt es viel in diesem Bild zu entdecken und die zentrale Position der Person (und deren Ausdruck) wirken trotz der vielen Farben im Bild ruhig.

Woodstock reloaded von pixelboogie

Schön knallig, die Sonne ballert förmlich ins Bild hinein und betont auch die Konturen der Personen im Bild. Rockt.

Ohne Titel von bluemello

Mir gefällt die zentrale Position der Blume und das satte Rot. Auch das quadratische Format gibt dem Bild eine Ruhe, die mich persönlich sehr anspricht.

Dark Room von Stephan Sünderkamp

Ganz tolle Kontraste – auch in der Farbe. Die klaren Strukturen und Linien im Bild führen meinen Blick einerseits die Treppe hinauf aber die offene Tür mit dem knallig roten Licht kämpft um meine Aufmerksamkeit. Klasse!

K.-V von DasMaddin

Wunderbar warme Farben und eine – zumindest auf mich so wirkende – lockere Körperhaltung sprechen mit hier sehr an. Der direkte Blick in die Kamera passt gut dazu. Alles in allem wirkt das Foto sehr echt und authentisch auf mich.

Wo ist denn die 11??? von Tania

Ja, da musste ich wirklich lachen ;) Ein einfaches Foto, das klar zeigt, um was es hier geht. Kein großes Tamtam, nur die Fächer und die “fehlende” 11. Ich mag solche Fotos.

sun’s rays von tomprofi

Ich finde, das ist eine ganz tolle Bildkomposition! Die Lichtstrahlen ziehen natürlich meinen Blick an sich, doch auch der angenehm helle Weg und das Grün im Vordergrund geben dem Bild einen zusätzliches Qualitätsmerkmal. Zum richtigen Zeitpunkt am richtigen Ort. Toll!

Asamoah von Stefan Groenveld

Da ist Bewegung drin – und das macht das Foto sehr ansprechend. Ich vermisse hier auch keinen Ball, sondern das wegspritzende Gras und die langgezogene Körperhaltung Asamoahs “fetzen” ;)

Flip von daomschberga

“So hätte ich das Foto auch genannt” war mein erster Gedanke, als ich das Bild sah. Schön einheitliche Farben – das satte Grün, die Brauntöne und der Kontrast wirken auch mich knackig und frisch. Ich bin absolut kein Makro-Fachmann – aber dennoch Kompliment zu dieser Aufnahme!

spine von wecand

Herrlich sperrig! Mir gefällt an diese Langzeitbelichtung die aussergewöhnliche Bildkomposition und die vielen Strukturen und Linien. Super!

Ohne Titel von Maze Krämer

Gut gewähltes Format – ich habe den Eindruck hier dabei zu sein. Weil ich selbst lange in Bands gespielt habe, errinnern mich die harten Kontraste und die Kippe an die verrauchte Stimmung in Clubs. Schön ranzig ;)

sunbeam in the backyard von Steve Fleischer

“Irgendwie alltäglich und irgendwie doch nicht” dachte ich mir gerade. Da kein Mensch zu sehen ist und nur Architektur + der Roller zu sehen ist steht hier für mich einen Moment die Zeit still. Feine Aufnahme und Schwarzweiss war hier (meiner Meinung nach) eine gute Wahl.

Epilog

Abschließend möchte ich mich bei jedem bedanken, der hier sein Foto beigesteuert hat. Ich wurde jetzt schon auf vielen Wegen darum gebeten, das Exposé zu wiederholen und werde mir mal noch ein paar Gedanken machen, wie das in Zukunft realisiert werden kann.

In diesem Sinne wünsche ich noch einen angenehmen Tag und viel Spaß beim Fototografieren ;)

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19-07-2010, Exposé am Montag: Zeige Dein letztes Foto »»